DOMINO (2019)

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Tem momentos em DOMINO que você percebe que está diante de um grande filme de Brian De Palma, especialmente na primeira meia hora. O filme começa extremamente bem, câmera linda, um trabalho de zoom incrível, e a sequência que culmina numa perseguição pelos telhados em Bruxelas faz uma bela homenagem a UM CORPO QUE CAI. Depois, DOMINO dá uma caída feia, a coisa vai se tornando progressivamente desinteressante e sem se dar conta estamos vendo um thriller direct to video dos mais vagabundos e preguiçosos. O que não deixa de ser, já que foi a cara que o estúdio resolveu dar ao filme (para quem não sabe, DOMINO teve uma produção desastrosa, faltou dinheiro, De Palma não teve o corte final…). Deu pra sentir o estrago. Montagem horrível, ritmo cai, umas cenas sem motivo algum de existir, em termos narrativos a coisa fica bizarra mesmo… No meio disso tudo, temos mais uma sequência genial, a do atentado terrorista num festival de cinema. DOMINO cresce de novo no final, com uma sequência daquelas para entrar numa antologia de momentos fodas do De Palma, um mestre que domina o tempo como poucos.

O saldo final é positivo. Tem falhas, muitas, filme torto pra caralho. Mas é bom pela câmera, pelo estilo, por grandes cenas que o De Palma conseguiu encaixar em alguns momentos. Momentos bem dignos mesmo… Como fã de giallo, nada tenho contra obras construídas a partir de grandes cenas, interligadas de maneira confusa e bagunçadas, como é o caso de DOMINO. E há algumas ideias que De Palma trabalha obsessivamente que são bem interessantes, um manifesto sobre a imagem do terror, em como essa imagem é realizada, manipulada, divulgada, o uso inventivo de mobiles (os dois celulares acoplados numa metralhadora filmando um atentado; o homem-bomba que precisa esperar o drone se aproximar para apertar o botão), na concepção e divulgação dessa imagem… Ideias que têm um significado bem interessante no filme e no cinema de De Palma em geral. Resumindo, é fácil ficar do lado de obras-primas inquestionáveis, difícil mesmo é tentar entender obras tortas como DOMINO. Só acho uma pena mesmo que o estúdio não tenha permitido ao filme qualquer vôo mais alto, mesmo com o esforço do De Palma.

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WOMAN OF DESIRE (1994)

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WOMAN OF DESIRE é um desses filmes aleatórios que por algum motivo, provavelmente pelo elenco, acabei catando de algum tracker e assisti um dia desses. E por algum outro motivo que nunca vou saber explicar, vou postar alguma coisa sobre ele… Temos Jeff Fahey, Steven Bauer em papel duplo, temos o maior ator de todos tempos, Robert Mitchum, e a musa dos anos 80 Bo Derek, que, apesar de inexpressiva, não desperdiça nosso tempo com sua beleza e muitas cenas com pouca roupa. Pronto, já temos motivos suficientes para assistir a esse neo-noir sem-vergonha dos anos 90.

Dirigido por Robert Ginty, mais conhecido pelo trabalho na frente das câmeras em filmes de ação exagerados dos anos 80, como THE EXTERMINATOR, de James Glickenhaus, WOMAN OF DESIRE é sobre um sujeito, Jack (Fahey) que é encontrado totalmente nu em uma praia sem lembrar direito o que aconteceu e como chegou ali. Ao mesmo tempo, Christina (Derek) está no hospital local contando sobre uma noite muito estranha dentro de um pequeno iate, no qual, segundo a moça, Jack trabalhava como capitão transportando ela e Ted (Bauer), quando os dois sujeitos começam uma violenta discussão que acaba em briga. Jack teria atirado em Ted, que caiu no mar e seu corpo desapareceu, logo depois o sujeito estuprou Christina e uma tempestade jogou ambos no mar.

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As coisas não parecem boas para Jack, que contacta seu advogado, interpretado por Mitchum, que passa a remontar os eventos como um quebra-cabeça. E o filme vai encaixando as peças, abusando de flashbacks e uma variedade de reviravoltas confusas, envolvendo irmãos gêmeos, um jogo de sedução perigoso entre Jack e Christina, até que a coisa toda vira um filme de tribunal, com um looongo julgamento, que desemboca num tiroteio em um desfile de rua no pequeno balneário onde a trama se passa, e tudo é finalmente explicado.

Parece interessante, mas não é bem assim. A direção pesada e “televisiva” de Ginty não é lá muito inspirada, sem estímulos visuais. Não consegue criar muito a atmosfera que um Eric Red, Bradford May ou Bobby Roth criavam nesse tipo de produto nos anos 90. E a trama é enfadonha na maior parte do tempo, apesar da premissa, inicialmente, ser interessante. Não é das melhores performances de Fahey, ator que geralmente eu gosto bastante, mas não me parece muito feliz aqui. Já o trio restante tenta salvar a sessão. Bauer e Mitchum estão sempre ótimos em cena, mesmo um Mitchum já envelhecido, mamado de uísque em cada frame, mas que tem o vigor que sempre exalou em décadas atuando. E Derek não precisa fazer muita coisa, contanto que esteja beeem à vontade, se é que me entendem. Num bom dia, aquele que você acordar com o pé direito e quiser encarar um thrilerzinho vagabundo, fica a dica de WOMAN OF DESIRE.

MANDINGO (1975)

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Último sábado teve mais uma sessão do Cineclube Vertigo, capitaneado pelo grande Guilherme Ferraro. O filme que passou foi MANDINGO, do Richard Fleischer, que é um diretor que ando atualmente fascinado, descobrindo várias coisas, mas este aqui ainda não tinha assistido. Valeu a pena, é um filmaço, um épico subversivo e polêmico sobre escravidão com uma pegada sensacionalista, abusando de violência e nudez, mas também uma interessante reflexão histórica e precisa do racismo. Produzido pelo lendário Dino De Laurentiis, o filme também foi uma das principais inspirações de Quentin Tarantino em DJANGO LIVRE.

Lixo racista, obsceno… este é um filme pelo qual me senti sujo.

Isso aí foi o que o famoso crítico Roger Ebert escreveu sobre MANDINGO à época do lançamento. O sujeito não entendeu NADA. E se um filme faz um crítico respeitado como o Ebert escrever algo assim, só pode ser coisa boa. Mas realmente não é um filme fácil de se ver, o tratamento de Fleischer sobre o assunto é barra pesada, deixa o público desconfortável, é bem direto em confrontar a brutalidade da escravidão, e não apenas os males óbvios, mas o efeito moral corrosivo sobre todos os envolvidos, tanto vítima quanto opressor. O filme não faz concessão alguma em explorar as degradações diárias quase inimagináveis que são parte integrante de uma sociedade que trata as pessoas de pele negra como inferiores, como animais sem alma.

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O grande James Mason é Warren Maxwell, o dono de uma fazenda no século XIX que mantém seus escravos ignorantes em leitura, escrita e religião. Seu filho coxo, Hammond (Perry King) evita as afeições de mulheres brancas e prefere se deitar com escravas, até se apaixonar por uma delas. Seu pai fica cansado das suas relações inter-raciais e insiste em que ele se case com sua prima Blanche (Susan George) para manter as aparências e, mais importante, lhe arrumar um herdeiro. Certo dia, no mercado de escravos, Hammond compra um imponente mandingo chamado Mede (Ken Norton). Forte como um touro, o sujeito vai servir para a procriação, mas também como ficha de aposta em lutas entre mandingos. Blanche fica chateada que Hammond a despreza, sempre ocupado seduzindo sua escrava favorita, então ela resolve convidar Mede à sua cama. Fica grávida. Quando dá à luz ao tão aguardado herdeiro, adivinhem a cor do bebê…

MANDINGO lida com o tema das relações inter-raciais com bastante sensibilidade, praticamente como um melodrama sentimental. Mas o filme segue em um ritmo sinuoso e chega até a sofrer uma crise de personalidade em alguns trechos. Às vezes Fleischer parece que ele está tentando fazer um …E O VENTO LEVOU 2, outras vezes ele age como se estivesse filmando um exploitation sensacionalista de Gualtiero Jacopetti. Portanto, ao mesmo tempo em que MANDINGO se demonstra crítico e sério ao tratar de um assunto relevante como o racismo, há uma quantidade enorme de situações irreverentes para manter o público a um certo nível de entretenimento. Cenas de nudez e sexo gratuitos temos aos montes; Mason drenando constantemente seus pés reumáticos em meninos escravos; um escravo sendo pendurados de cabeça para baixo e espancados até que o traseiro fique ensanguentado; um líder rebelde de mentalidade moderna pouco antes de ser enforcado, solta uma máxima clássica da era blaxploitation: “Kiss my black ass!“… E por aí vai.

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A direção de Fleischer reflete bastante essa dualidade, é classuda na maior parte do tempo, com planos e enquadramentos bonitos e bem pensados. A fotografia é um deslumbre. Mas aí vem uma cena como a luta organizada entre os Mandingos e o diretor perde a compostura, filma com uma câmera nervosa como se fosse um filme B produzido pelo Roger Corman. A coisa é realmente brutal e está entre os muitos destaques de MANDINGO. O filme fica nesse contraste, que acaba sendo bem-vindo: Na superfície, um autêntico exploitation, mas que revela em suas camadas uma abordagem reflexiva e crítica sobre racismo.

As performances são um pouco desequilibradas, mas funcionam na maior parte do tempo. Mason faz um desempenho magistral, obviamente. É desses atores que dá gosto de ver em cena. Perry King é fraco, mas consegue dar conta, mesmo seu personagem sendo tão complexo, numa ambiguidade interessante em relação aos escravos. Susan George tá canastrona, exagerada e histérica além do necessário. Como disse o amigo Edu Aguilar, só o Peckinpah pra fazê-la atuar… Mas parece ao menos estar se divertindo como a esposa ignorada empunhando um chicote, com os olhos selvagens, espancando uma escrava grávida. Ken Norton também faz uma impressão considerável como Mede.

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Os entusiastas de blues também ficarão satisfeitos quando ouvirem a ótima música tema de Muddy Waters que abre o filme. MANDINGO teve uma continuação no ano seguinte, DRUM, que se passa quinze anos após os acontecimentos deste aqui. Também foi produzido por Dino De Laurentiis e dirigido Burt Kennedy, que teve problemas com o produtor e acabou sendo substituído por Steve Carver, que o finalizou. No elenco, Warren Oates. Uma tentativa discreta de firmar o sub-sub-gênero Slavesploitation no cinema de exploração do período…

CEMITÉRIO MALDITO 2 (1992)

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Mesmo não tendo o mesmo nível de qualidade do seu antecessor, CEMITÉRIO MALDITO 2 é bem legal, tem muita coisa boa acontecendo para nos entreter. Edward Furlong, o eterno moleque de O EXTERMINADOR DO FUTURO 2, interpreta Jeff, o filho de uma atriz famosa que morre num acidente durante as filmagens de seu mais recente filme de terror. Para recomeçar uma vida nova, Jeff e seu pai, um veterinário vivido por Anthony Edwards, se mudam para a pequena cidade de Ludlow, no Maine, obviamente a mesma do primeiro filme. Não demora muito, Jeff já está interagindo com os habitantes da cidade, levando porrada dos bullies e se torna amigo de Drew, o enteado do xerife local, Gus Gilbert (Clancy Brown). Numa noite, Gus mata o cachorro de Drew e, claro, ele e Jeff vão para o cemitério de animais para enterrá-lo… E o inferno está de volta à cidade.

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Uma coisa que gosto em CEMITÉRIO MALDITO 2 é que não faz questão alguma de ser uma cópia do primeiro filme, que era mais reflexivo, atmosférico e tinha um cuidado a mais com os personagens. A construção de certos indivíduos aqui é unilateral, como o xerife malvado e completamente surtado de Clancy Brown. E as coisas vão acontecendo de forma atropelada, como a transformação do personagem de Furlong, que de uma hora pra outra fica obcecado pela sua mãe morta, sem muito desenvolvimento. Mas ao mesmo tempo, tudo aqui é mais exagerado e sangrento, bem ao estilo do horror noventista, o que garante uma certa dose de diversão ao mesmo tempo que expande de maneira imaginativa e direta a mitologia criada por Stephen King no livro que deu origem ao filme de 89.

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A violência é quase cartunesca, com uma boa dose de sangue sendo jorrada, com algumas perfurações, uma cabeça explodindo, e uma cena sensacional em que Clancy Brown usa o pneu de uma moto contra o rosto de um adolescente. Não dá pra ver muita coisa, mas a ideia e a forma como fazem é muito boa. A maioria das cenas mais sangrentas é de violência animal. Desde o ciclo de filmes canibais italianos que não vejo tanto animal morto na tela… Tudo falso, claro, efeitos especiais de primeira qualidade, mas ainda assim causa uma certa impressão.

A direção é da mesma Mary Lambert que realizou o primeiro filme. Em uma entrevista, ela comenta que resolveu voltar ao universo de CEMITÉRIO MALDITO para entender o que se passa na cabeça de um adolescente, porque eles fazem coisas estúpidas… Louis Creed, no filme anterior, enterra seu filho por causa de um desejo intenso, um sentimento de culpa pela morte do filho, mas e os adolescentes estúpidos de CEMITÉRIO MALDITO 2? O que levam a enterrar uma pessoa no cemitério amaldiçoado sabendo que ela vai voltar à vida?

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Gosto bastante do trabalho de Lambert no primeiro filme, mas não sei se ela conseguiu desenvolver bem suas ideias aqui e a coisa ficou mais puxado no “estilo” do que no “conteúdo”. Mas como disse, é o tipo de filme exagerado que acaba bem sucedido em propiciar uma experiência de terror sem se preocupar com a psicologia das coisas. E que compreende com inteligência o que torna o horror desse universo de Stephen King tão inquietante. Ou, pelo menos é o tipo de produto que não me deixa entediado em momento algum. E temos um elenco muito sólido, Furlong está fazendo o que ele faz de melhor, Jason McGuire é excelente como Drew e Clancy Brown como vilão é definitivamente a melhor coisa do filme… Enfim, é uma continuação sem grandes pretensões mas que de alguma forma consegue me divertir facilmente.

CEMITÉRIO MALDITO (1989)

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Acho que a força de CEMITÉRIO MALDITO, uma certa grandeza que o coloca acima de boa parte dos filmes de horror nos anos oitenta, reside na maneira como o filme lida com a morte. Vidas são tiradas a todo instante no cinema de horror e o público, obviamente, torce para que isso aconteça. A morte é banalizada e se torna uma diversão, ninguém quer assistir a uma continuação de SEXTA-FEIRA 13 e ver o Jason saindo de mãos vazias, certo? Mas aqui a morte, a perda, tem um peso dramático muito forte e coloca o espectador em confronto com a situação trágica da morte de um filho de forma extrema e direta.

A própria ideia básica do filme, notória adaptação de Stephen King, é muito perturbadora. A trama gira em torno de uma família que se muda para uma nova casa em Ludlow, no Maine. É uma típica família feliz, recomeçando a vida, até que um caminhão em alta velocidade muda tudo isso. E a existência de um cemitério de animais de estimação amaldiçoado que reanima os mortos piora ainda mais a situação…

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É evidente que há muitas coisas boas típicas do horror, elementos fundamentais, em CEMITÉRIO MALDITO para acalentar o coração dos fãs do gênero. É um filme muito sombrio com uma atmosfera densa em alguns momentos, especialmente nas sequências das visitas ao tal cemitério; temos algumas mortes criativas, uma boa dose de sangue, um gato zumbi, sonhos bizarros, aparições de uma figura fantasmagórica, entre outras coisas… No entanto, acima de tudo, CEMITÉRIO MALDITO funciona por causa do drama central que se desenrola a partir da perda trágica de um ente querido.

A sequência do caminhão é um primor. Mesmo quem percebe na hora o que está prestes a acontecer, acaba chocado pela coragem do filme em realmente chegar nos finalmentes e fazer o que tinha que fazer… Até porque sempre existiu o tabu de se matar crianças nos filmes dessa maneira. Mas só é mostrado o essencial: o moleque indo para a rodovia, o caminhão desatento se aproximando, um sapatinho vazio que rola no asfalto. O suficiente para nos deixar sem chão e passarmos a sentir a dor do protagonista (interpretado por um Dale Midkiff). Algo que no universo de King acaba sendo bem mais aterrorizante que o horror tradicional.

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Por muito tempo, quem esteve à frente do projeto e meio que possibilitou sua existência foi o pai dos zombie movies, George A. Romero, que já era naquela altura grande amigo de Stephen King, já haviam trabalhado juntos em CREEPSHOW, e acabou comprando os direitos do livro. No contrato, duas condições: a primeira é que o filme deveria ser rodado no Maine. Depois, o próprio King deveria escrever o roteiro. E foi o que aconteceu. A dupla preparou o filme por bom tempo até que surgiram algumas atribulações entre o diretor e o estúdio, que convocou Romero no meio desse processo insistindo em refilmagens de algumas sequências de INSTINTO FATAL (Monkey Shines), que Romero havia dirigido pouco tempo antes. Para não deixar a produção parada, Romero acabou pulando fora de CEMITÉRIO MALDITO, sendo rapidamente substituído por Mary Lambert, uma diretora de video clipes que só havia feito um longa até então, SIESTA, de 87, mas que já era vista como um talento promissor.

E Lambert deu conta, conseguiu dar vida ao roteiro de King, ao universo sempre tão particular de seu criador, com muita precisão e criatividade visual. Claro, seria ótimo ver como CEMITÉRIO MALDITO seria sob a batuta de Romero, mas não aconteceu. E eu simplesmente não tenho do que reclamar desta versão, que se tornou um dos meus clássicos favoritos do horror oitentista.

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No elenco, vale destacar Brad Greenquist, a figura fantasmagórica que mostra ao protagonista o limite que não se deve ultrapassar no “semitério”; Fred Gwynne, o eterno Herman Munster, da série dos anos 60 OS MONSTROS (ou A FAMÍLIA MONSTRO); e Miko Hughes, o garotinho zumbi demoníaco com um bisturi afiado nas mãos empenhado a matar.

Aparentemente, CEMITÉRIO MALDITO é a adaptação da obra de King mais apreciada pelo próprio autor; Óbvio, considerando que ele mesmo escreveu o roteiro e que detesta, por exemplo, a adaptação de O ILUMINADO, do Kubrick, não é muito difícil o cara ter preferência por este aqui. King até faz uma breve participação como um reverendo. O filme teve uma continuação nos anos 90, dirigido pela mesma Mary Lambert, e que preciso rever, não lembro de quase nada. E aí sim, estarei devidamente preparado para encarar a nova versão que ainda não parei pra ver.

CANNIBAL APOCALYPSE (1980)

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Apesar do título, é no mínimo questionável classificar CANNIBAL APOCALYPSE dentro do subgênero cannibal, tão comum no final dos anos 70 e início dos 80 no cinema popular de exploração italiano. Caso seja classificado, que seja então como um representante bastante alternativo, não compartilha virtualmente quase nada em comum com os outros filmes do subgênero. Não é uma aventura na selva, com exploradores se metendo com tribos canibais, por exemplo. E, embora eu não tenha do que reclamar da brutalidade por aqui, o nível de violência não chega nem perto dos excessos de um CANNIBAL HOLOCAUSTO, CANNIBAL FEROX e outros similares. Mas há comedores de carne no filme, obviamente, só que eles são habitantes “civilizados” da cidade de Atlanta, infectados por um vírus que lhe despertam desejo de carne humana.

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No entanto, CANNIBAL APOCALYPSE inicia realmente nas selvas do Vietnã, durante a guerra, quando o oficial das Forças Especiais do Exército dos EUA, Norman Hopper (John Saxon), lidera um pelotão de soldados em uma missão de busca num complexo de cavernas Vietcong onde são mantidos prisioneiros de guerra. Depois de eliminar o inimigo num espetáculo de tiros e explosões, eles descobrem um buraco onde estão dois americanos capturados, Charlie Bukowski (sim, podem acreditar que esse é o nome do personagem vivido por Giovanni Lombardo Radice) e Tommy (Tony King).

Hopper fica feliz de vê-los ainda com vida – até porque conhece os sujeitos, ambos são de sua cidade natal – mas ao mesmo tempo, acaba tendo a visão aterradora deles devorando avidamente a carne de uma guerrilheira inimiga que havia caído lá dentro. Então, num rosnado selvagem, Tommy salta e dá uma mordida no braço estendido de Hopper.

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Nesse ponto, Hopper acorda de um pesadelo febril, na cama com sua esposa Jane (Elizabeth Turner) em Atlanta, anos depois da guerra. A sequência de abertura do filme foi um flashback/sonho de Hopper no Vietnã revelando um incidente que realmente aconteceu. Hopper está preocupado com o sonho; ultimamente ele desenvolveu uma estranha atração pela carne crua. Lutar contra esse desejo torna-se cada vez mais difícil, colocando uma pressão até sobre o seu casamento (isso sem falar na vizinha adolescente que lhe “atormenta” a vida com visitas inusitadas…).

Enquanto isso, Bukowski é libertado de uma ala psiquiátrica local, onde está encarcerado desde o fim da guerra. Supostamente curado, em seu primeiro dia de liberdade ele entra em conflito com uma gangue de motoqueiros, ataca uma mulher em um cinema (morde um pedaço sangrento do pescoço), depois mata duas pessoas em um mercado e fica encurralado enquanto os policiais cercam o prédio. Fiquei com a impressão que o sujeito não estava tão curado assim…

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Daqui pra frente, CANNIBAL APOCALYPSE se transforma num festival de mordidas violentas! Ao saber da situação de Bukowski, Hopper aparece no local e consegue convencê-lo a se entregar. Mas Charlie morde um policial no momento de ser colocado pra dentro do camburão. Em vez da prisão, Bukowski é transportado de volta para o hospital psiquiátrico, onde ele se reúne novamente com seu companheiro de guerra, Tommy. Este, acaba mordendo a perna de uma enfermeira, que o deixa amarrado a uma maca ao lado de Charlie, na ala de alta segurança.

Os médicos determinam que ambos são portadores de um vírus misterioso que de alguma forma os transforma em canibais. Mais tarde Hopper aparece no hospital e resolve libertar Charlie e Tommy e fugir com eles sabe-se lá pra onde… A enfermeira infectada por Tommy se junta a eles depois de morder a língua de um médico excitado. O inusitado quarteto rouba uma ambulância e parte para a noite fazendo deixando algumas vítimas no caminho, enquanto a polícia, liderada pelo Capitão McCoy (Wallace Wilkenson), se engaja em uma caçada frenética para deter os canibais antes que eles possam espalhar ainda mais o suposto vírus.

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Pois é, CANNIBAL APOCALYPSE é essa loucura absurda, mas interessante e divertido exemplar que se beneficia bastante da direção imaginativa e segura de Margheriti, que eleva o filme um ou dois níveis acima do habitual do cinema de exploração, além das performances sólidas do elenco, com destaque para Saxon e Radici. O conceito de um vírus canibal também é certamente uma das melhores ideias do filme, a de um fenômeno social representado no canibalismo como uma doença contagiosa, que é algo bem mais, digamos, reflexivo do que as filmagens de mortes de animais reais usadas nos cannibal movies tradicionais.

Eu sei, os efeitos especiais de CANNIBAL APOCALYPSE são de Giannetto De Rossi, que possui no currículo obras contendo algumas das mais extremas imagens do cinema italiano de gênero. Portanto, não é que não existam cenas de extrema violência gratuita e muitos efeitos sanguinolentos por aqui, só acho que não é somente nisso que Margheriti estava interessado… Mas os fanáticos por tais elementos mais impactantes não precisam se preocupar e vão se esbaldar, especialmente na cena de morte do personagem de Radice, filmado em toda a sua glória visceral. Não é a toa, portanto, que CANNIBAL APOCALYPSE tenha sido marcado por um histórico de censura e cortes em lançamentos pelo mundo. No Reino Unido, por exemplo, até 2005 o filme estava banido, assim como em outros países. No Brasil, foi exibido sem cortes em 1981 sob o título OS CANIBAIS DO HOLOCAUSTO. 

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DRAGGED ACROSS CONCRETE (2018)

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Assisti recentemente a DRAGGED ACROSS CONCRETE e não só confirma a belezura de filme que eu esperava (afinal, fora anunciado como um policial casca-grossa estrelado pelo Mel Gibson de bigode), um dos melhores do ano até o momento, como também coloca em definitivo o seu diretor, S. Craig Zahler, se é que havia alguma dúvida, entre os melhores da atualidade nesse ofício de fazer filmes.

Então temos Mel Gibson – de bigode – e Vince Vaughn (repetindo a parceria com o diretor) como uma dupla de detetives cujos ideais nem sempre vão de acordo com os burocráticos métodos da força policial. São do tipo que atiram primeiro e fazem perguntas depois. O tipo de policial asqueroso que só é bom no cinema. Na vida real, desprezo qualquer tipo de fascismo, obviamente. Como cinéfilo, no entanto, aceito qualquer ideologia radical que seja colocada na tela, até porque acima do discurso sempre tem o cinema, a linguagem e a ética de olhar o mundo sem falsidade. Zahler tem esse olhar e usa bem esse contexto como como trampolim narrativo, para a habitual jornada ao inferno que seus personagens traçam (como em BONE TOMAHAWK e BRAWL IN CELL BLOCK 99). E porque esse tipo de personagem – policiais reacionários – é foda pra caralho (no cinema).

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Ainda na trama, a dupla acaba se ferrando quando é flagrada por uma gravação de celular usando de força bruta pra cima de um suspeito durante uma batida policial. A mídia está pronta para cair matando em cima e o capitão da esquadra, interpretado pelo grande Don Johnson, dá à dupla uma suspensão não remunerada de seis semanas. Isso não ajuda muito os dois policiais, que precisam de seus contracheques para enfrentar os problemas financeiros do cotidiano, já que a vida é dura, policial ganha mal pra cacete, e trabalhar honestamente não “dignifica a alma”, como muitos dizem… Preocupações latentes no cinema de Zahler: amargas questões sociais e o tênue limite entre a justiça e a arbitrariedade.

Em determinado momento começa a tal “descida ao inferno”. O desespero começa a beliscar os calcanhares e os dois detetives decidem emboscar um grupo de ladrões de banco que acabou de fazer um puta assalto. O filme vira uma trama de gato e rato, com planejamentos, perseguições, tiroteios, assassinatos à sangue frio… Tudo o que precisamos num filme policial badass temos aqui. Mas bem ao estilo Zahler, o que significa acompanhar esses personagens ao submundo mais escabroso possível, onde os habitantes cruéis e sádicos não valem o peido de uma égua ​​e ainda assim é impossível tirar os olhos da tela.

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E Zahler me parece muito apaixonado por contar exatamente a história que quer contar, insistindo em cada detalhe de todas situações, personagens e possibilidades, e até cheguei a me perguntar se precisava daquilo tudo (o filme tem mais de 2h30m), que uma edição mais disciplinada poderia ter feito alguns favores… Mas ao final eu já estava tão imerso e envolvido no papo do Zahler, no ritmo lento, na tensão crescente cirurgicamente construída, no universo daqueles personagens, que sequências como a da participação de Jennifer Carpenter, por exemplo, que é totalmente descartável, nem me incomodaram. E o que poderia ser excesso nas mãos de uns, Zahler transforma em enriquecimento narrativo.

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E tudo é filmado com precisão, longos planos, com uma câmera rígida, um mínimo de edição, fundamental para sentir o peso das imagens, da atmosfera e da dor. Desde seu primeiro filme, Zahler trabalha com o mesmo diretor de fotografia, Benji Bakshi, o que deve ajudar a criar uma certa uniformidade autoral e visual na obra do diretor. A violência, outro elemento constante no cinema de Zahler, ainda que em menor escala por aqui, permanece brutal e fascinante como nos seus filmes anteriores. E assim S. Craig Zahler tem se estabelecido como uma das vozes mais distintivas do moderno cinema de ação/policial americano. E do horror, talvez?

Mel Gibson está do jeito que sempre gostamos. Em estado de graça, no papel de um policial cansado e fodido, uma espécie de Martin Riggs envelhecido, em descompasso com o mundo, anacrônico, enfim, um personagem que se encaixa como uma luva ao ator, que oferece uma de suas melhores performances desde os anos 90. Vê-lo descarregando chumbo em desafetos e recarregando seu revolver com uma agilidade impressionante é um dos grandes momentos do cinema em 2019. E, obviamente, tem o bigode mais badass do ano.

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Vaughn sempre a tentar se dissociar das comédias que fez ao longo da carreira, mas não tenho problema algum com ele fazendo papéis puramente dramáticos. Óbvio que de vez em quando dá a sensação de que fará uma piada a qualquer momento, mesmo em situações pesadas ou tensas. Mas seu desempenho aqui é sólido. Já tinha demonstrado que podia fazer sujeitos sérios e trágicos em BRAWL ON CELL BLOCK 99. Mas o filme não é apenas Gibson e Vaugh. É também Tory Kittles, que rouba o filme para si em vários momentos, vive um dos assaltantes de banco e possui o seu próprio arco dramático. No elenco ainda se destacam Michael Jai White (numa participação bem maior que eu esperava) e uma pontinha sempre bem-vinda de Udo Kier.

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Infelizmente, é mais um trabalho poderoso do Zahler que não teremos o prazer de ver nos cinemas. Portanto, assista da maneira que conseguir. Vale a pena.

BRAWL IN CELL BLOCK 99 (2017)

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Devo postar essa semana algumas impressões sobre o novo filme do S. Craig Zahler, DRAGGED ACROSS CONCRETE, que é um dos melhores filmes deste ano até o momento (junto com A MULA e GLASS), mas enquanto não finalizo o post, republico e atualizo o textinho sobre BRAWL IN CELL BLOCK 99, o filme anterior de Zahler, que escrevi para o Action News. BONE TOMAHAWK, o primeiro trabalho do homem já escrevi também por aqui…

Este último, aliás, pegou muita gente de surpresa. Claro, parecia promissora essa mistura de horror e western lá por volta de 2015, que tinha Kurt Russell no papel principal, mas acho que ninguém esperava que seria uma obra tão madura, brutal e fascinante vindo de um diretor estreante. Estreante, mas demonstrando talento, impondo uma narrativa de ritmo lento e poético em contraste com um excesso retumbante de violência, construindo personagens fortes, configurando uma crescente de tensão cujo parâmetro remete quase literalmente à uma descida ao inferno.

O receio com diretores estreantes que lançam obras poderosas logo de cara é algo comum. Se errasse a mão num filme seguinte eu já estaria preparado para isso. Acontece. BONE TOMAHAWK poderia ter sido apenas um acidente. Não foi. BRAWL IN CELL BLOCK 99, seu segundo trabalho, mostra que o diretor não está para brincadeiras. Um baita filmaço que narra mais uma jornada às profundezas da degradação humana recheado de violência e ainda apresenta uma performance espetacular de Vince Vaugh, o elemento mais indispensável à condução da narrativa.

Vaugh é Bradley Thomas, um ex-pugilista, alcoólatra em recuperação, um motorista de reboque que acabou de perder o emprego, marido traído e o satanás em pessoa quando precisa usar as mãos, fruto de um código de honra que carrega no fundo da alma. Há uma cena em que o sintetiza bem, quando descobre que sua mulher esteve pulando a cerca. Bradley não é um homem abusivo, mas ele reage da maneira que consegue naquele momento: estraçalhando metodicamente seu carro com as mãos nuas.

Depois de resolver seus problemas matrimoniais e preservar seu casamento, Bradley decide voltar a um trabalho antigo, entregando “pacotes” para um traficante local. Dezoito meses depois, o sujeito está bem melhor financeiramente, morando numa casa confortável e espaçosa, e sua esposa grávida de seis meses. Contra o instinto de Bradley, seu chefe entra em negociação com um poderoso narcotraficante, Eliazar (Dion Mucciacito), para realizar um trabalho. Durante a empreitada, Os homens de Eliazar fazem merda e acabam trocando tiros com a policia. No meio da confusão, Bradley resolve mirar nos traficantes ao invés dos tiras…

Isso não ajuda muito no seu julgamento, e depois que se recusa a entregar qualquer nome de seus associados, Bradley é condenado a sete anos em uma prisão de segurança média. Mas os problemas de Bradley começam mesmo quando recebe a visita de um misterioso homem (Udo Kier) que representa o traficante Eliazar. O sujeito não está nada feliz com as ações que Bradley tomou durante o tiroteio, o que custou dois de seus homens e alguns milhões de dólares.

Para resumir, Eliazar tomou a esposa de Bradley como refém e tem um abortista à sua disposição com algumas ideias bem sádicas na cabeça, só para assegurar que o protagonista pague sua dívida. Na verdade, Bradley recebe uma missão: assassinar um indivíduo que se encontra detido numa prisão de Segurança Máxima, no tal bloco 99. Só que para chegar lá, Bradley terá que aprontar um bocado, o que significa uma jornada sangrenta de muita pancadaria e ossos quebrados rumo a um verdadeiro inferno.

Para quem está familiarizado com BONE TOMAHAWK, vai perceber como as duas obras dialogam entre si na gradual construção de tensão, numa metodologia de cicatrização lenta. Zahler novamente demonstra uma habilidade única para construir um universo em que a narrativa existe em seus próprios termos e ritmo. Os quadros que duram o tempo que tem que durar (e que fazem uma busca quase obsessiva pela mesma perspectiva), os pequenos detalhes visuais que enriquecem a narrativa (reparem nas diferenças, tanto sutis quanto gritantes, entre os presídios de segurança média e máxima, até chegar no nível mais baixo em termos de cenário de prisão), na sensibilidade para a elaboração de uma história que se desenrola com personagens vividamente detalhados.

Diferentes cenários, mesma obsessão de perspectiva.

Tal como em BONE TOMAHAWK – que toma seu tempo e leva mais da metade de projeção para chegar ao ponto crucial da sua trama de pesadelo e violência – BRAWL IN CELL BLOCK 99 também não tem muita pressa para chegar ao cenário do título. Em vez disso, passamos boa parte do filme assistindo a um homem que recebeu uma dura pancada da vida, fez escolhas “erradas” e agora precisa fazer o que é necessário manter seu código, para fazer o que é “certo”.

Vaughn é uma revelação aqui, cada momento seu na tela é a indagação de escolhas morais, sobre os “certos” e “errados”, que um sujeito precisa fazer quando está disposto a encarar todos os castigos imagináveis ​​para garantir o bem estar daqueles que ama. E Vaugh entrega uma performance notável, uma performance física, com um uso do corpo de forma magistral, dando um impulso ainda mais extremo para as cenas de violência. Além de Vaugh e Kier, o elenco ainda conta com Don Johnson (DEAD BANG) como carcereiro casca-grossa de penitenciária, e Jennifer Carpenter (DEXTER) fazendo esposa de Bradley.

O filme confirma o escritor-diretor Craig S. Zahler como um dos grandes talentos do cinema americano atual e é uma que este trabalho nunca tenha chegado nas salas de cinema aqui no Brasil… Mas tudo bem, um filme como BRAWL IN CELL BLOCK 99 não merece mesmo um público bunda-mole como o nosso. A jornada moral de Bradley é uma experiência intensa que será reduzida como “cinema choque”, “violento demais”, e toda a reflexão imbuída e o que ela representa será ignorada. Para cinéfilos mais “experimentados” isso aqui é ouro.

TÚMULO SINISTRO (1964)

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TÚMULO SINISTRO (Tomb of Ligeia) foi a última colaboração de Roger Corman com o ator Vincent Price, depois de uma série de adaptações da obra de Edgar Allan Poe (e um único que era baseado em Lovecraft, O CASTELO ASSOMBRADO) na primeira metade dos anos 1960, resultando numa parceria de sete filmes fundamentais na carreira de ambos e que qualquer interessado em horror deveria dar uma atenção.

O filme é sobre um cavalheiro inglês, Verden Fell, interpretado pelo Price, cuja morte de sua esposa, Lady Ligeia, lhe deixa um bocado transtornado, vivendo uma vida solitária em sua propriedade (exceto por seu mordomo e um misterioso gato preto), torturado, lamentando a morte de sua amada. Então ele conhece Lady Rowena, uma linda mulher que se parece com sua falecida esposa (ambas são interpretadas por Elizabeth Shepherd) e apesar do jeitão sinistro e melancólico ela é atraída por Verden, que se apaixona e acabam se casando.

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No início, a vida a dois entre Verden e Rowena é só alegria, com o casal viajando Europa à fora, conhecendo lugares distintos e sempre apaixonados. O problema é quando retornam à propriedade e a “presença” metafísica de Ligeia coloca tudo a perder. Verden passa a maior parte do tempo isolado em seus experimentos ou no cemitério nas ruínas de uma grande igreja onde está a tumba de sua primeira esposa, um tipo de obsessão mórbida sempre explorado neste ciclo Edgar Allan Poe.

Enquanto isso, Rowena passa a ter sonhos terríveis (que sãos algumas das melhores cenas do filme) e é perseguida pelo tal gato preto, que parece possuído. Aos poucos, Verden tem certeza de que está enlouquecendo – ou acredita que sua nova esposa está sendo dominada pelo espírito maligno e imortal de Ligeia. O que acontece a seguir é um típico final ao estilo Roger Corman nas suas adaptações de Poe: o mundo desaba, é consumido pelo fogo, pelo horror extremo e Vincent Price desempenhando sua dança da morte, num espetáculo de enquadramentos, efeitos especiais arcaicos e cores.

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Em TÚMULO SINISTRO, Corman faz um esforço consciente para se afastar da aparência estética de seus filmes anteriores do ciclo Poe. Em vez de filmar quase inteiramente em estúdio (como havia sido seu habitual até então), o sujeito optou por muitas externas, confiando menos em nevoeiros pesados e cores vibrantes, e mais nas paisagens naturais as quais explora com uma câmera exuberante: as ruínas, o campo, a cena em que o casal visita Stonehenge, enfim, muitas das cenas acontecem sob a luz do sol. Provavelmente o filme menos dark do ciclo, embora o tom e a construção da obra ainda sejam de um terror clássico, apenas menos estilizado e atmosférico em relação ao que Corman havia feito antes.

Mas ainda assim é um filme que enche os olhos. O visual não deixa de ser deslumbrante, de qualquer forma, especialmente com o trabalho cromático. O uso do vermelho como elemento dramático, por exemplo, cria sensações bem interessantes no decorrer do filme.

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Price sempre inspirado, oferece aqui mais uma performance expressiva, digna de antologia nessas adaptações de Edgar Allan Poe, fazendo um personagem muito no seu habitual, mas ao mesmo tempo sutilmente destoa de outros que interpretou: assustador e imponente, mas frágil, torturado e com toques bem, digamos, perturbadores… Há uma situação que pode passar despercebido e ficar muito à imaginação do espectador, mas nada tira da minha cabeça que claramente seu personagem pratica necrofilia, algo que obviamente não poderia ser explorado às claras no período, mas que Corman dá um jeitinho de insinuar e subverter.

O roteiro de TÚMULO SINISTRO foi escrito por Robert Towne, um dos pupilos de Corman no período – seu primeiro script foi escrito para o diretor, LAST WOMAN ON EARTH (60). Dez anos depois, o sujeito ganharia o Oscar com seu roteiro para CHINATOWN, de Roman Polanski.

Outros filmes do ciclo Edgar Allan Poe que já comentei por aqui:
O SOLAR MALDITO
O POÇO E O PÊNDULO
OBSESSÃO MACABRA

O PÁSSARO DE PLUMAS DE CRISTAL (1970)

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Revisão do primeiro trabalho do maestro italiano do horror, Dario Argento, como diretor. É também seu primeiro giallo, sub-gênero que o consagrou. Claro, Argento não inventou o giallo, mas é um dos maiores responsáveis, junto com Mario Bava e Sergio Martino, pela sua sofisticação estética e fundamentação de seus conceitos. Mas O PÁSSARO DE PLUMAS DE CRISTAL ainda é o começo de tudo para Argento, sem o abuso de suas composições simétricas, cenários estilizados e exuberância de cores, mas fica evidente que o sujeito já sabia muito bem o que fazer com os elementos estéticos do gênero e com formulações importantes dos gialli, como a ideia do “investigador casual”, geralmente alguém ligado às artes ou um jornalista, que pode ou não ter testemunhado os crimes cometidos pelo assassino da trama, e passa a investigar o caso. Na verdade, para quem conhece alguma coisa do Argento, é legal perceber como ele já mantinha algumas obsessões atrás das câmeras, a começar pelo assassinato brutal de mulheres, indo por detalhes da cena do crime vistos pelo olho humano, mas enganados pela memória, os traumas do passado reverberando no presente, a busca obsessiva e, consequentemente, a falsa revelação da verdade… 

Em O PÁSSARO DE PLUMAS DE CRISTAL, Sam (Tony Musante) é um escritor americano que vive em Roma. Certa noite, a caminho de casa depois de socializar com um amigo, e completamente por acaso, acaba testemunhando uma tentativa de homicídio envolvendo a bela esposa de um dono de uma galeria de arte.

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Sam não consegue entrar no local para salvá-la, pois fica preso entre um conjunto de portas de vidro. Tudo o que o sujeito consegue é observar a mulher em agonia com o bucho perfurado por uma faca e esperar que alguém chame a polícia a tempo de salvá-la. A sequência é uma das mais inspiradas do filme, um trabalho de tensão e suspensão temporal – segundos que parecem horas – realizado com maestria.

Depois, Sam descobre que a mulher sobreviveu, e a polícia lhe diz que ela é apenas mais uma das poucas vítimas recentes de um serial killer que está operando na área. O assassino, um homem vestido com uma capa de chuva preta e, claro, um par de luvas de couro preto, sempre consegue escapulir antes que os policiais possam ser chamados e, para desgosto de Sam, continua à solta.

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A força policial de Roma, liderada pelo inspetor Morosini (Enrico Maria Salerno), tem boas intenções, mas não consegue apresentar pistas sólidas sobre o caso. Isso inspira Sam, que teve seu passaporte confiscado pela polícia até que estejam cem por cento positivos de que ele não tem nada a ver com os assassinatos, a fazer um pequeno trabalho de detetive por conta própria. Ele espera poder limpar seu nome e levar o assassino à justiça, matando dois coelhos com uma cajadada só.

O protagonista logo começa uma busca pela verdade. E é por isso que o um dos principais conceitos do giallo é essa lógica do “investigador casual”. Esqueçam um bocado os elementos estéticos, que obviamente estão lá (as luvas pretas e as facas reluzentes), mas que as pessoas geralmente usam como definição do gênero. Lembremos que para Argento a genialidade do giallo está exatamente nesse ponto: na ambiguidade que surge nessa quebra de uma tradição cinematográfica no qual a figura do policial faz apenas seu trabalho, enquanto a “testemunha casual”, geralmente um artista, se sente mais compelido a ir atrás da verdade, que no fim das contas é a função do artista, seja lá por qual meio artístico ele se expresse, que é investigar verdades que sirva para si e para o seu público. É o que faz o artista no giallo desbravar e arriscar, tentando resolver o mistério.

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Enquanto alguns de seus filmes posteriores são peças sublimes do horror surreal e bizarro, O PÁSSARO DE PLUMAS DE CRISTAL é um mistério de assassinato mais direto e, digamos, “realista”, que faz um bom ponto de partida para aqueles que não estão familiarizados com o trabalho de Argento ou até mesmo com o gênero. E fiquei impressionado até como o filme é bem mais intenso do que eu lembrava, com um estado de suspense que se mantem quase durante toda a narrativa. O filme ainda não possui muito do visual extravagante, como já disse antes, a exemplo de outros trabalhos de Argento, como SUSPIRIA e INFERNO, mas a cinematografia daqui é do grande Vittorio Storaro e tem muito estilo, o filme todo é lindamente fotografado, com muitos movimentos de câmera fluidos, então não deixa de ter momentos de deslumbre estético, que no fim das contas também faz parte da essência do giallo.

Há uma cena incrível, e particularmente sádica, em que a câmera assume o ponto de vista de uma das vítimas, acompanhando seu olhar, seus gestos, para revelar a figura do assassino imponente na porta de um quarto pronto para fazer mais um estrago. Não há aqui nenhuma grandiosa cenas de morte, como depois viriam as sequências operísticas de PROFONDO ROSSO, SUSPIRIA e TENEBRE, entre tantos mais. Ainda assim, o suspense é muito bem desenvolvido, a música de Ennio Morricone pontua com precisão, e soluções visuais discretas como essa citada são desses pequenos momentos de inventividade que Argento andava a experimentar e aqui já é digno de nota.

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O filme é a primeira parte de uma espécie de “trilogia dos animais” que marcou o início de carreira de Argento, formado ainda por O GATO DE NOVE CAUDAS e 4 MOSCAS NO VELUDO CINZA, que já comentei por aqui há alguns bons anos. Adoro os três filmes, mas fica claro pra mim o critério de, não sei se “aprendizado” seria a palavra ideal, mas funcionam bem como rascunhos das obras geniais que Argento viria a fazer alguns anos depois e que já citei durante o texto. Mas é o belo início de carreira de um dos maiores nomes do cinema mundial.

O ALVO (1993)

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A REVERBERAÇÃO DO MULLET

Antes de falar do filme em si, eu queria aproveitar alguns parágrafos iniciais para apontar um dos principais fatores pelo qual O ALVO é lembrado pelos fãs do cinema de ação. E não é por se tratar do primeiro filme hollywoodiano de John Woo, que havia despontado como um dos maiores mestres do gênero na década anterior. Ou as eletrizantes sequências de ação que pontuam a narrativa. Trata-se de um elemento estético que o personagem principal carrega em sua caracterização. O que quero dizer é que é simplesmente impossível não associar O ALVO aos mullets de Jean-Claude Van Damme.

Já perdi as contas de quantas vezes, numa conversa sobre filmes de ação, comentam sobre O ALVO e alguém lembra: “Ah, é o filme que Van Damme tá de mullets…

Mullet é um corte de cabelo que se caracteriza pelo aspecto curto na frente, em cima e nos lados, mas longo na nuca. Foi muito popular no início dos anos 80 e perdeu força na virada da década. Mas em 1993, ano de produção de O ALVO, JCVD aparece com esse corte fora de moda, um corte até inconveniente, uma coisa em descompasso com o mundo. É evidente que os mullets de Van Damme não estão ali por acaso. Ninguém iria pensar na figura do belga de mullets àquela altura com a intenção de ficar “maneiro”, até porque o visual do cabelo do personagem como um todo é bem ridículo. No entanto, os mullets de Van Damme conferem uma dimensão maior como elemento de composição artística do filme, porque pelas câmeras de John Woo ela ganha valor estético.

O Inácio Araújo tem um comentário bacana nesse sentido, mas era sobre o chapéu do detetive Popeye Doyle, interpretado por Gene Hackman em OPERAÇÃO FRANÇA, de William Friedkin. Ele dizia que às vezes se pensa que o difícil em cinema é ter grandes idéias, quando na verdade o difícil é achar um pequeno detalhe que dá vida aos filmes e os mantém vivos. Como o chapéu de Popeye Doyle. Como os mullets de Van Damme…

A lógica do mullet como consciência estética para Woo fica bem clara já na primeira aparição de Van Damme em O ALVO. Dentro de um restaurante, o personagem come sua refeição diária de trabalhador honesto. Woo filma o sujeito de costas e os planos seguintes, mais aproximados, e cada corte, dão ênfase ao excesso de cabelo que o personagem possui na parte de trás da cabeça. Quando, logo a seguir, Van Damme precisa entrar em ação, os mullets começam a fazer mais sentido, ganhando forma e deslocamento no firmamento com imponência aos gestos, aos golpes desferidos por Van Damme contra os meliantes que mexeram com a mocinha.

E isso se repete no decorrer da trama em momentos dignos de antologia. Por exemplo, quando Van Damme dá um soco numa cobra para lhe arrancar o seu chocalho com os dentes e montar uma armadilha. Ou numa das cenas que nunca vai sair da minha mente, quando Van Damme está em cima de uma motocicleta como se estivesse surfando uma prancha, pegando uma onda, atirando nos bandidos, de carro, indo em sua direção. E no quadro, os mullets se descobrem  íntegros, sempre criando uma aura que cinge esse indivíduo na luta contra o mal. Na verdade, o que se vê por aqui é uma certa reverência ao se filmar Van Damme. Um respeito pela figura de Van Damme, de uma maneira que nunca havia se dado em nenhum filme do ator até ali. Nem mesmo em suas obras mais pessoais.

É como se Woo tivesse a oportunidade de filmar Marlon Brando. Ora, não se filma Marlon Brando de qualquer jeito. É preciso uma certa consideração ao ator mediante à sua grandiosidade. E Woo a tem por Van Damme, que a merece. O diretor transforma a figura do belga numa entidade mística em O ALVO e, sob suas lentes, Van Damme nunca esteve tão simbólico. O elemento máximo da construção do seu cânone por aqui, é sem dúvida alguma, seus mullets.

Vamos ao filme. Van Damme é Chance Boudreaux, um Cajun de New Orleans que cai de paraquedas numa situação envolvendo uma moça em busca de seu pai, numa trama que é mais uma variação do clássico THE MOST DANGEROUS GAME, que no cinema teve sua primeira adaptação em 1932, dirigido por Irving Pichel e Ernest B. Schoedsack (que foi diretor de KING KONG, a primeira versão dos anos 30). No Brasil, é conhecido como ZAROFF – O CAÇADOR DE VIDAS, e conta a história de um caçador maluco que arranja um navio cheio de gente para ser afundado perto de uma ilha onde ele bota em prática seus dotes como caçador pra cima dos passageiros sobreviventes.

Em O ALVO, temos Lance Henriksen e Arnold Vosloo, como dois empreendedores (e também um “casal”, aparentemente) muito bem sucedidos nos seus negócios, que consiste em proporcionar a Milionários – que querem passar o tempo de lazer aliviando seus desejos mais íntimos, primitivos e sádicos – a oportunidade de praticarem uma boa e velha caçada humana. As vítimas geralmente são homens sem nada na vida, moradores de rua, sem dinheiro, família e com uma chance de ganhar uma pequena fortuna… se sobreviverem à caçada. Se não sobreviverem, bem, já estarão mortos, não ganham nenhum prêmio de consolação.

Numa pequena falha na escolha de uma nova vítima, o pai de Nat Binder (Yancy Butler) acaba morto em uma dessas caçadas humanas. E o cajun ajuda a moça a descobrir o que aconteceu. Eventualmente, Chance é arrastado para um desses “jogos” e tem que se virar para sobreviver. Obviamente, sobreviver neste caso é inverter a situação, e Van Damme utiliza todos os seus conhecimentos do local para pregar armadilhas e atrair os mercenários para dentro de um velho galpão no qual são guardados carros alegóricos do carnaval de Mardi Gras e onde acontece uma das melhores sequências de ação de toda a carreira de JCVD.

É a combinação perfeita. Woo, que chega no ocidente com toda a pompa e prestígio, tendo realizado alguns dos melhores filmes de ação do período, como THE KILLER, BALA NA CABEÇA e FERVURA MÁXIMA, e Van Damme, um dos maiores astros do cinema de ação do período sendo filmado da maneira correta, imponente badass e com um mullet inesquecível. O ALVO acaba tendo muito de Woo, com todas as singularidades do diretor jogadas na tela: cenas de ação estilizadas e cartunescas, filmadas em múltiplos ângulos, o uso dos espaços (o visual da sequência final em meio aos carros alegóricos é um deslumbre), câmera lenta estilosa, malabarismos com corpos e veículos que desafiam as leis da gravidade, até os pombos brancos voando pra lá e pra cá se materializam aqui, uma das assinaturas do diretor.

A já citada sequência final, que se desenrola em um armazém cheio de carros alegóricos, é uma autêntica aula de cinema. E apresenta ao público americano, com uma produção americana, todo o arsenal do estilo vindo direto de Hong Kong. Mostra o que é capaz de fazer um diretor que pensa a ação e tiroteios como uma linguagem cinematográfica própria, na sua escala mais épica possível, especialmente quando dispõe de um orçamento gordo, muitas câmeras, gruas, e efeitos especiais pirotécnicos de primeira. Van Damme encarna uma espécie de Chow Yun Fat cajun e de mullets, e com duas pistolas em cada mão aproveita-se da superabundância de munição que os filmes de ação orientais se privilegiam para encher seus oponentes de balas – e alguns chutes de vez em quando – enquanto Woo conduz o seu balé de corpos, balas, sangue e fogo.

Woo ainda faria alguns belos exemplares de ação em Hollywood, como A ÚLTIMA AMEAÇA e MISSÃO: IMPOSSÍVEL 2, e pelo menos uma obra-prima,  A OUTRA FACE.  O nível foi baixando no novo milênio e há tempos não lança uma obra com o mesmo patamar de outrora. Filmes como O ALVO precisam, portanto, voltar à tona para lembrar como Woo era bom, seja pelas sequências de ação, seja pelo valor artístico dado a um detalhe tão simples, como os mullets de Van Damme, mas que mantém o filme vivo na lembrança de quem assistiu nos anos 90 em VHS ou na programação da TV, como uma marca registrada nostálgica e um forte elemento estético. Mesmo que o público atual, acostumados com os produtos  de ação contemporâneos, ache um adorno ridículo.

Não tenho nada contra o que é feito hoje em termos de ação, adoro JOHN WICK e VELOZES E FURIOSOS, por exemplo, mas O ALVO e outras produções do período possuem um outro conceito de ritmo narrativo, que toma seu tempo e constrói as coisas com mais cuidado. Como disse, Woo conduz a ação e os corpos como um balé. Vale a pena livrar os olhos do preconceito e de certos cacoetes do cinema de ação atual e aproveitar toda a beleza do cinema de Woo/Van Damme. Agora, quem cresceu assistindo a filmes desses caras, O ALVO é obrigatório para se rever e rever…

Texto escrito originalmente para o site Action News, em 12/02/19

QUANDO VOAM AS CEGONHAS (1959); CPC UMES FILMES

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Já tinha visto QUANDO VOAM AS CEGONHAS no DVD que a Continental lançou na década passada. Não lembro direito da qualidade dessa versão – como sabemos qualidade nunca foi o forte dessa pífia distribuidora – mesmo assim, lembro de ficar extremamente impressionado com as imagens que o diretor Mikhail Kalatozov e o seu fotógrafo, Sergey Urusevsky, conceberam. Um deslumbrante exercício estético em preto e branco de encher os olhos. Toda essa impressão se confirmou agora com a revisão do filme lançado em DVD, com imagem restaurada, pela CPC UMES FILMES, na sua incrível série Cinema Soviético. 

QUANDO VOAM AS CEGONHAS foi a coroação do cinema soviético no período e um dos melhores filmes anti-guerra já feitos. Trata-se de uma experiência emocionalmente devastadora, contando a história de amor envolvendo o jovem Boris, que se une ao exército soviético num rompante de patriotismo, deixando para trás a sua bela namorada Veronika. O filme detalha minuciosamente a maneira como a guerra separa os dois pombinhos, tornando-se um dos primeiros filmes soviéticos a realmente lidar com os efeitos negativos da Segunda Guerra Mundial.

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Dois pontos chamam a atenção em QUANDO VOAM AS CEGONHAS. Primeiro, o coração do filme é Tatiana Samoylova, que dá vida à Veronika, numa atuação hipnotizante e emocionalmente forte. Uma das grandes performances do período. Sobrinha-neta do famoso e influente ator e professor de teatro Constantin Stanislavski, cujo método de atuação inspirou dezenas de grandes atores como Marlon Brando, Jack Nicholson, Paul Newman e muitos outros, é bem provável que Samoylova tenha usado seus ensinamentos. Demonstrando grande talento e uma beleza ímpar, foi convidada para trabalhar em Hollywood e em outros lugares fora da União Soviética depois de QUANDO VOAM AS CEGONHAS, mas foi forçada a recusar essas ofertas por conta da situação política daquele contexto. Infelizmente, seu único outro grande papel foi na aclamada adaptação soviética de 1967 de Anna Karenina.

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Outro ponto marcante de QUANDO VOAM AS CEGONHAS é o visual impactante, que já mencionei, o deslumbre das imagens, um trabalho extremamente ousado e inventivo em termos de direção e cinematografia, com uso de câmeras na mão, composições viscerais e utilização dos espaços e profundidade de campo. É dessas obras reveladoras sobre como as possibilidades ilimitadas no manuseio de uma câmera, da edição, da luz e sombras, essa matéria prima que chamamos de CINEMA, têm a capacidade de transcender a própria natureza do filme…

Não existe um plano sequer em QUANDO VOAM AS CEGONHAS que seja imperfeito ou desnecessário. Há uma sequência, no entanto, que é uma das minhas favoritas, quando Veronika corre em direção à uma estação de trem e Kalatosov faz desse simples ato um dos momentos mais imaginativos do filme, com uma câmera chacoalhando, um trabalho de câmera genial que cria um efeito ofegante, permitindo que nos sintamos exatamente como Veronika se sente. É simplesmente absurdo.

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Não é toa que digo que foi a coroação do cinema soviético. QUANDO VOAM AS CEGONHAS recebeu a Palma de Ouro no festiva de Cannes, em 1958, desbancando filmes como MEU TIO, de Jacques Tati, e NO LIMIAR DA VIDA, de Ingmar Bergman. E apesar de não ter vencido como melhor atriz, Samoylova recebeu uma menção especial por sua atuação.

Kalatosov também é conhecido por outra obra deslumbrante chamada EU SOU CUBA, um filme todo encadeado com alguns dos mais belos planos da história do cinema. Também foi lançado aqui no Brasil numa edição vagabunda pela Continental. Nada que a CPC UMES FILMES não possa consertar com uma edição caprichada, da mesma forma que temos agora esta de QUANDO VOAM AS CEGONHAS, uma obra-prima do cinema soviético indispensável a qualquer indivíduo interessado por cinema de verdade.

O filme pode ser encontrando na loja virtual da distribuidora e em várias lojas do gênero e livrarias. E não deixe de curtir a página da CPC UMES FILMES no Facebook para ficar sabendo das novidades, especialmente do cinema soviético, e os seus próximos lançamentos em DVD e no cinema.

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[CAGESPLOITATION] O PACTO (2011)

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Eu adoro como o Nicolas Cage se entrega de uma maneira tão especial nos papéis que faz, mesmo em filmes péssimos. Concordo com essa ideia de que ele acabou meio que criando um gênero de si mesmo. Quero dizer, um filme de suspense, ação, terror, pode ser bom ou ruim, mas se tem o Nic Cage como protagonista, automaticamente o filme fica bom e o gênero não importa mais, porque estamos diante de um Cagesploitation!

Um bom exemplar do que andei assistindo da fase “atual” do Cage foi este O PACTO, que é um thriller bem bobinho, mas que faz uma baita diferença por tê-lo como protagonista. Cage é Will Gerard, professor de inglês de uma escola secundária de New Orleans, cuja esposa Laura (January Jones), numa noite qualquer, é brutalmente estuprada. No hospital, Will é abordado pelo misterioso Simon (Guy Pearce) que afirma saber quem é o estuprador e vai “cuidar dele” para Will. Só que agora ele ficará devendo um favor quando for solicitado. Naquela mesma noite, o estuprador é morto.

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Seis meses depois, Simon contata Will e o instrui a matar um pedófilo que anda à solta pela cidade. Quando Will se recusa a retribuir o favor, Simon e sua equipe, que parece estar sempre em qualquer hora e qualquer local de New Orleans, começa a transformar a vida do sujeito num inferno. Will, um simples professor, se vê obrigado a lidar com mortes misteriosas, traição e um intrigante jogo de gato e rato que põe em risco a sua vida e da sua esposa. E esse simples professor acaba se tornando num herói de ação, porque, claro, é o Nic Cage! Ele se mete em altas confusões para manter a pele intacta.

À medida em que o filme continua e o roteiro vai revelando várias surpresas absurdas, acumulando plot twist totalmente desnecessários, Cage vai ficando cada vez mais solto, com um desempenho que lhe é característico: caretas, gritaria, correria enlouquecido… Que é realmente a marca registrada do sujeito e que os fãs adoram. Guy Pearce é sempre bom de se ver e está muito bem como vilão. O filme conta com ainda no elenco com Harold Perrineau, Xander Berkeley, Iron E. Singleton (O T-Dog da série THE WALKING DEAD) e uma pequena participação de Jennifer Carpenter. Tobey Maguire, aquele ator que só é lembrado pelos filmes do Homem-Aranha do Sam Raimi, foi um dos produtores. E a direção é do veterano Roger Donaldson (O INFERNO DE DANTE e A EXPERIÊNCIA).

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Como eu disse, O PACTO é um exemplar bem besta como thriller, mas ao mesmo tempo não deixa de ser uma patetice agradável nível Supercine, para se ver naquele sábado à noite que você acabou não tendo nada melhor para fazer. Os fãs de Nic Cage obviamente vão ter um gostinho a mais. Quando o sujeito está realmente interessado no material, nem roteiro ruim deixa de ser divertido…

CÃES DE ALUGUEL (1992)

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Revisão de CÃES DE ALUGUEL. E não é que continua uma belezura? É claro que vendo com os olhos de hoje, com mais bagagem e menos vislumbre que na época de adolescente, quando descobri o filme, percebe-se a mão pesada do Tarantino em alguns momentos. Já entrei em alguns debates com verdadeiros fãs do filme sobre isso, amigos que consideram CÃES DE ALUGUEL a obra-prima do diretor. Respeito de forma absoluta. No entanto, pessoalmente, acho que possui alguns problemas de decupagem, com certos trechos cansativos e muito teatrais (especialmente a que constrói o personagem do Tim Roth)… Mas esse tipo de questão é normal para um estreante, que se arriscou num trabalho autoral, com sua assinatura, como é o caso de Tarantino. E é um cinema feito com tanta paixão e honestidade que esses probleminhas nem incomodam e é difícil não ficar absorvido por aquele universo tão peculiar.

A cena de abertura é uma das minhas favoritas, com uma câmera que gira em torno da gangue de assaltantes vestidos de ternos pretos, discutindo uma tese genial a respeito do verdadeiro significado da letra de “Like a Virgin“, da Madonna. Daí pra frente Tarantino nos coloca em um mundo que é ao mesmo tempo familiar e diferente. E acho que é esse o charme dos seus primeiros filmes. Ele compreende tão bem o tipo específico de cinema de crime e ação, que acaba encontrando novas maneiras de abordar o gênero, tornando-os renovados, cheios de frescor. Em CÃES DE ALUGUEL é o filme de gangster e de assalto, cujo roubo de uma joalheria nunca é mostrado, apenas suas consequências. Tudo embalado numa interessante estrutura não-linear que ajuda a ter uma ideia de quem são esses indivíduos e como entraram na jogada.

O elenco e os vários duelos entre os atores acabam sendo o grande destaque de CÃES DE ALUGUEL, até porque já aqui neste primeiro trabalho Tarantino demonstra que seu forte é a criação de diálogos fantásticos. Temos Harvey Keitel (que também foi produtor do filme) e Tim Roth matando a pau; Lawrence Tierney e Chris Penn (irmão do Sean) também estão ótimos. Mas quem realmente se sobressai nessa turma toda é Steve Buscemi como o arisco Mr. Pink e, acima de todos, Michael Madsen, como Mr. Blue, que protagoniza a sequências mais violenta do filme, a que seu personagem corta a orelha de um policial ao som de Stuck in the Middle With You, do Stealers Wheel. Essa combinação de violência irônica e humor negro é essencial para entender uma das facetas do estilo de Tarantino. Mas também o universo de referências e reverência ao cinema pelo qual Tarantino é apaixonado, o uso da trilha sonora, a abordagem moderna e desconstruída de certos gênero… E tudo já está aqui, em CÃES DE ALUGUEL, um dos filmes mais importantes dos anos 90 e que só foi eclipsado porque o próprio Tarantino lançou dois anos depois PULP FICTION, querendo ou não, um dos filmes mais cultuados e influentes dos últimos trinta anos.

ANGEL FACE (1952)

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Em 1952, o famigerado magnata e produtor de filmes Howard Hughes estava tão decidido a forçar a atriz Jean Simmons a fazer mais um filme para ele, que resolveu dar ao diretor Otto Preminger o controle artístico completo da produção, se ele conseguisse filmar em 18 dias, que era exatamente o que restava do contrato dela depois de seu último trabalho. Batalhas judiciais à parte entre a atriz e o produtor, Preminger aproveitou a chance e o resultado foi ANGEL FACE (no Brasil, o título um bocado ridículo, ALMA EM PÂNICO), um filme que é ao mesmo tempo um ótimo exemplo de film noir e uma obra pouco convencional dentro do gênero.

Robert Mitchum é o motorista de ambulância Frank Jessup, que é chamado, logo no início do filme, para a mansão de um escritor, cuja esposa quase morreu devido aos efeitos de um vazamento de gás. Um acidente? A mulher não pensa assim. No decorrer do atendimento, ele conhece a filha do escritor, Diane (Jean Simmons), cujas reações a esses eventos são estranhas, para dizer o mínimo. Jessup tem uma namorada, Mary, mas Diane o persegue nas noites e ele se vê fascinado por essa jovem bonita, mas enigmática. Uma típica configuração clássica do noir, com o sujeito sendo puxado para o abismo por uma femme fatale com intenções nefastas.

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No entanto, as coisas não são tão “preto no branco” por aqui, existem nuances, Preminger não nos dá nada tão direto, tão óbvio. Seus personagens realizam ações que consideram essenciais para sua própria proteção ou para a proteção de alguém que ama. Podem até estar errados, mas é assim que eles vêem as coisas, é assim que Diane acredita no que faz. E Preminger nunca entrega soluções fáceis ou faz julgamentos sobre essas ações, prefere jogar a responsabilidade para que o público faça seus próprios julgamentos. Até mesmo o comportamento de um personagem que pode ser interpretado como “vilão” da trama segue uma lógica de que seus atos podem ser vistos como razoáveis e morais, dependendo do ponto de vista, e de como entendemos a situação. E o que vemos é Diane atuando em algum sentido como uma clássica femme fatale, mas quando se espera que ela faça algo que uma femme fatale faria, ela faz o oposto.

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Toda essa espécie de desconstrução de modelos só é possível porque ANGEL FACE é um desses exemplos do período clássico do studio system – onde os produtores tinham o controle das obras – só que, como já disse, feito por um diretor que estava na posição de impor sua própria visão sem interferências, de poder atuar como um autêntico autor – não é toa que Preminger ganhou destaque entre a crítica francesa do período. Acredito que, por isso tudo, podemos colocar na conta do diretor sequências brutais, como a do carro que despenca na ribanceira, com os corpos dos ocupantes sendo estraçalhados (bonecos, obviamente, mas de um realismo impressionante), algo que provavelmente um produtor mais afrescalhado, no auge de 1952, teria vetado…

Preminger voltaria a trabalhar com Mitchum em O RIO DAS ALMAS PERDIDAS, que já comentei aqui no blog, numa das minhas fases mais “Mitchuniana”… Aliás, o sujeito está muito bem em ANGEL FACE. É um trabalho mais discreto, mas com boa presença. Quem acaba se destacando mesmo é Jean Simmons, nessa personagem complexa, ambígua, uma irresistível femme fatale atípica, que não se parece em nada com as traidoras de noirs como PACTO DE SANGUE, de Billy Wilder, e ALMAS PERVERSAS, de Fritz Lang.

Em 1964, Jean-Luc Godard colocou ANGEL FACE como um dos dez maiores filmes americanos da era do som. De fato é um grande filme.

ALÉM DA IMAGINAÇÃO 1.13: FOUR OF US ARE DYING (1960)

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Soube há poucos dias que TWILIGHT ZONE está de volta em 2019, uma nova versão da série, agora capitaneada pelo diretor Jordan Peele (CORRA e NÓS), dando uma de Rod Serling, fazendo o mesmo que o criador do seriado original, o qual além de roteirizar grande parte dos episódios, fazia as famosas narrações que tornaram o programa tão peculiar. Não vi ainda nenhum episódio dessa série nova, mas pela lista de diretores, nomes da nova geração que, se não são grandes mestres, possuem alguns bons trabalhos da safra atual do horror, acho que vale a pena uma conferida. Qualquer hora dou uma chance. Por enquanto, vou continuar peregrinando aqui nos episódios clássicos, ainda na primeira temporada.

Entramos agora na década de 60, estamos no décimo terceiro capítulo. THE FOUR OF US ARE DYING foi escrito pelo próprio Serling e dirigido por John Brahm. A trama é sobre um sujeito, Arch Hammer (Harry Townes) que possui a habilidade especial de poder mudar seu rosto, literalmente metamorfosear sua face para se parecer com outras pessoas. Geralmente, pessoas que já morreram… Durante o episódio, Arch usa sua habilidade para tentar melhorar sua vida (amorosa, financeira…) independentemente de seu efeito sobre os outros à sua volta.

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Primeiro, personifica o falecido trompetista Johnny Foster para conseguir com que sua namorada, Maggie (Beverly Garland), uma cantora, concorde em fugir com ele. Mais tarde, ele se faz passar por Virgil Sterig, um gângster recentemente assassinado, para tirar dinheiro do Sr. Penell, o bandido que matou Sterig. Seu plano dá errado e foge sendo perseguido por dois brutamontes. Para escapar, Hammer assume o rosto de um jovem boxeador, Andy Marshak, que ele vê num cartaz estampado num beco escuro. No entanto, ele encontra o pai do verdadeiro Marshak, que pensa estar diante de seu filho, o qual partiu o coração de sua mãe e acabou com a vida de uma doce moça. Hammer empurra o homem para o lado e volta ao seu quarto de hotel. Mais tarde, no entanto, quando ele retoma o rosto de Marshak, a fim de fugir de um detetive de polícia, ele encontra novamente o pai de Marshak, só que desta vez o homem tem uma arma em punho…

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No início de 1959, George Clayton Johnson, um jovem escritor, que viria ainda a contribuir com a série, e amigo de Charles Beaumont (que já havia roteirizado o nono episódio desta primeira temporada, PERCHANCE TO DREAM), escreveu um conto intitulado “All of Us Are Dying“, que era sobre um jovem que se aproveita do fato das pessoas o enxergarem como ” o indivíduo que mais querem ver no mundo” (sua queda ocorre quando ele entra em um posto de gasolina e o atendente o vê como um homem que há dez anos ele queria matar). Johnson apresentou a história a um certo agente, que encaminhou para Rod Serling.

Serling gostou logo de cara da ideia de um homem que pudesse ser visto com outros rostos. Ele comprou a história, e começou o trabalho de adaptação para a série e intitulou THE FOUR OF US ARE DYING. Como era o habitual de Serling, apenas um conceito, uma premissa, era utilizado, e escreveu um história bem diferente do original.

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Inicialmente, a produção considerou trabalhar apenas com um ator e, através de processos de maquiagem, mudar sua aparência para se adequar a cada personagem. Essa ideia acabou sendo descartada por causa da intensa composição que o ator teria que sofrer e da grande quantidade de tempo que iria se gastar. O que não era o normal no processo de produção e filmagens desses episódios, curtos e de baixo orçamento. Depois de um longo processo de casting, foram escalados os quatro atores que aparecem como “protagonistas” em THE FOUR OF US ARE DYING, todos com o intuito de fazer acreditar que por trás daqueles quatro rostos existia um único personagem, um único homem. O que deixa evidente a ideia de uma certa busca por uma identidade, ou a fuga de ser “quem você é” como forma de sobrevivência, o principal tema a ser investigado pelo episódio.

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É o que dá sentido a THE FOUR OF US ARE DYING. E o roteiro de Serling é impiedoso ao tratar do assunto contando a história de um homem tão especial, mas que no fundo é triste e que tem um fim implacável. A direção de John Brahm – que já havia realizado dois episódios, JUDGMENT NIGHT e TIME ENOUGH AT LAST, que é um dos meus episódios favoritos – é bastante engenhosa, imaginativa, e aproveita bem os econômicos, mas muito criativos, espaços e cenários estilizados que representam a grande cidade, cheias de placas, neons e atrações noturnas de várias espécias. O elenco está bem afiado, especialmente os quatro atores “protagonistas” e vale destacar a participação de Beverly Garland, que curiosamente também participa do filme que comentei no último post, O EMISSÁRIO DE OUTRO MUNDO. Chama a atenção também a notável trilha sonora do grande Jerry Goldsmith, em relativo início de carreira.

THE FOUR OF US ARE DYING é desses episódios essenciais de TWILIGHT ZONE.

O EMISSÁRIO DE OUTRO MUNDO (Not of This Earth, 1957)

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Uma das ficções científicas mais interessantes e divertidas da primeira fase da carreira de Roger Corman como diretor (ou seja, antes de entrar na onda de adaptações de Edgar Allan Poe) é este O EMISSÁRIO DO OUTRO MUNDO, que revi recentemente num desses boxes de DVD sobre cinema Sci-Fi lançado pela Versátil. Já até havia comentado aqui no blog neste post a refilmagem dos anos 80 dirigida pelo pupilo de Corman, Jim Wynorski, mas fiquei devendo comentários sobre este clássico que lhe deu origem…

O filme de Wynorski era anacrônico e servia mais como um revival nostálgico dos filmes B Sci-Fi dos anos 50, mas era bem divertido também num certo sentido (além de conter algumas doses de peitos de fora que obviamente este aqui não tem). No entanto, o original do Corman, por mais simples e bobo que seja o roteiro e bastante pobre em termos de orçamento e produção, acaba por ter certa relevância e inteligencia para um produto voltado para um “público drive-in“. O filme traz algumas questões de seu tempo, especialmente em relação à histeria da corrida atômica, a paranoia de uma possível guerra nuclear em plena guerra fria. Segue, portanto, um certo padrão bastante típico de filmes de invasão alienígena do período, no qual os “invasores”, na verdade, são tão vítimas quanto nós, terráqueos.

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Humanóides alienígenas telepáticos estão se preparando para dominar a Terra, já que eles já foderam com seu próprio planeta moribundo depois de uma guerra nuclear e precisam de um novo lugar para brincar. Além disso, a raça desses indivíduos desenvolveu uma doença no sangue e, aparentemente, os seres humanos possuem o mesmo tipo sanguíneo. Portanto, o primeiro passo da missão alienígena aqui na terra é se infiltrar na nossa sociedade e tentar coletar um bocado de sangue para encontrarem uma cura para a tal doença…  É aí que entra Paul Birch como o assustador Sr. Johnson, um cavalheiro constantemente de óculos escuros, que esconde seus terríveis olhos brancos e brilhantes, capazes de derreter o cérebro de suas desavisadas vítimas.

Como precisa coletar muitas doses de sangue para enviar ao seu planeta, Mr. Johnson passa o tempo atraindo bêbados e sem-teto para sua bela casa, a fim de sugar-lhes até a última gota de sangue. Além disso, aproveita para fazer transfusão de seu próprio sangue eventualmente. Por isso, contrata uma enfermeira em tempo integral, Nadine Storey (interpretada por Beverly Garland), para lhe auxiliar. Por acaso, Nadine namora um policial, uma circunstância que obviamente causará a Johnson certo inconveniente. Tanto o policial como Nadine acabam suspeitando que coisas estranhas estão acontecendo na casa de Johnson, como pessoas que entram e desaparecem misteriosamente…

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Como é o caso do vendedor de aspirador de pó ultra moderno, numa participação curta mas GENIAL do grande e saudoso Dick Miller, que morreu recentemente. O sujeito bate à porta de Johnson e acaba atraído ao porão do alienígena para fazer uma demonstração do seu equipamento. Acaba também sendo mais uma vítima dos olhos brancos do ser do outro planeta, mas não sem antes de sua morte inevitável romper com a quarta parede, olhando diretamente para câmera, num desses momentos maravilhosos do cinema de baixo orçamento. E que só mesmo um Dick Miller pra fazer a coisa funcionar de maneira tão graciosa. Literalmente rouba a cena em seus dois minutos de tela…

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Mas os outros atores também estão bem. Paul Birch está desconectado o suficiente para parecer um autêntico alienígena humanoide telepata. Consegue passar uma imagem assustadora, ao mesmo tempo em que dá ao personagem um tom trágico. Beverly Garland também apresenta uma performance sólida, numa personagem feminina que foge dos padrões da mulher frágil e histérica dos filmes de monstros e sci-fi do período.

Vale destacar a direção de Corman, um dos maiores mestres do cinema independente americano que já pisou num set de filmagens, e demonstra aqui mais uma vez a sua eficiência imaginativa, sua capacidade de criar mundos praticamente do zero, especialmente num gênero como a ficção científica, sem orçamentos gordos para efeitos especiais, naves espaciais e maquiagens extravagantes. É um grande desafio e Corman faz um belo e criativo trabalho. Como fazer alienígenas parecerem alienígenas sem efeitos de maquiagem caros? Dando-lhes olhos estranhos, poderes de controle da mente e telepatia, todos os quais têm a vantagem de não custar nada no orçamento da produção. Você também dá aos alienígenas um dispositivo de teletransporte, muito mais barato do que ter que construir maquetes e naves espaciais, e por aí vai… Até uma pequena criatura monstruosa que parece uma água-viva feita de plástico de supermercado aparece por aqui, com direito aos fios que a puxam pelo ar bem visíveis na tela. E funciona lindamente!

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O EMISSÁRIO DO OUTRO MUNDO não é muito longo, e começa a funcionar imediatamente assim que o filme começa, num ritmo bom de se ver, apenas diminuindo a velocidade para fornecer em alguns momentos um pano de fundo sobre o habitante de fora, Mr. Johnson e o seu planeta Davana. Mais tarde, ficamos sabendo que Johnson não é o único Habitante de Davana na Terra, e o desfecho leva a coisa para um lado ambíguo, implicando que há muito ainda para se resolver. O que prova também a perspicácia dessa pequena produção capitaneada por Roger Corman em deixar as coisas abertas e por muito mais tempo na cabeça do público. Um filme bem legal com muito mais inteligência do que o maravilhoso pôster abaixo faz acreditar que seja.

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CINECLUBISMO + FIRST REFORMED (2017)

Sábado fui prestigiar a primeira sessão do Cineclube Vertigo, organizado pelo grande Guilherme Ferraro. O filme escolhido foi o que elegi como o melhor do ano passado, FIRST REFORMED, do Paul Schrader.

A sessão contou com a presença de um pequeno grupo seleto, incluindo meu querido amigo Du Aguilar, e foi seguido de um bom debate, algo que faz muita falta pra mim hoje em dia. Tenho a impressão de que as pessoas se acostumaram a discutir filmes pelas redes sociais e esqueceram como é bom juntar um grupo que você nunca viu na vida para sentar, assistir uma obra e discuti-la depois. Algo tão besta, que deveria ser tão habitual para nós, cinéfilos, mas que tem sido tão raro hoje… Isso é cineclubismo, pô! Viva o Cineclube Vertigo!


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Sobre o filme visto (revisto, no meu caso), foi legal para confirmar que se trata mesmo de um dos grandes filmes desta década. A carreira de Schrader nos últimos anos não tem sido muito fácil, acumulando trabalhos considerados irregulares (eu, particularmente, gosto de todos), além de problemas com os homens engravatados dos estúdios (como na sua versão de O EXORCÍSTA – O INÍCIO e mais recentemente com THE DYING OF THE LIGHT)… Mas com FIRST REFORMED parece que ele realmente teve total liberdade, sob a batuta da A24 Films, e fez um trabalho com assinatura autoral e de um radicalismo formal absurdo.

É, para Shrader, um filme de retorno às origens: à sua criação religiosa cauvinista, a influência do cinema de Robert Bresson e Ingmar Bergman, retorno também aos temas de TAXI DRIVER, do qual, para quem não se lembra, o roteiro é de sua autoria.

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FIRST REFORMED é sobre um reverendo, Ernst Toller (Ethan Hawke), que administra a pequena e histórica igreja First Reformed, no interior de Nova York, supervisionada pela Abundant Life, uma dessas mega igrejas bem-sucedidas, que parecem máquinas de ganhar dinheiro. Toller carrega cicatrizes profundas, perdeu um filho na guerra do Iraque, vive num estado de solidão, mesmo que o trabalho exija contato com outras pessoas, comandando cultos e como guia turístico na pequena igreja; mas quando chega a escuridão da noite, se afunda no whisky enquanto desenvolve uma doença e preenche as páginas de um diário (alusão óbvia ao DIÁRIO DE UM PÁROCO DE ALDEIA, de Bresson).

Quando Toller começa a aconselhar um ativista ambiental instável e depressivo e sua esposa grávida, o resultado só agrava a sua situação e o leva a uma profunda crise espiritual e psicológica cujas consequências não são nada agradáveis de se ver…

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Não que sua fé seja abalada nessa jornada mais materialista que espiritual, e ele diz, numa narração em off, que encontrou uma “nova forma de rezar”. Mas é nessa espiral descendente que FIRST REFORMED encontra TAXI DRIVER, cuja essência é a do indivíduo que carrega traumas e cicatrizes, seres deslocados e incapazes socialmente, que sentem a necessidade de “fazer alguma coisa” para mudar o mundo, mesmo que seja através da violência.

Tarefa não muito fácil de acompanhar FIRST REFORMED em certo sentido, provavelmente pela profundidade dos temas que Schrader aborda, preocupado com o que está acontecendo com o mundo contemporâneo. Política, guerras no Oriente Médio, mudança climática, espiritualidade x materialismo… É um filme que lida com muitas questões e é impressionante como Schrader explora cada tema com um equilíbrio e distanciamento correto, sem fazer disso tudo um discurso óbvio e inútil. E sem fazer concessão alguma na maneira como conduz tudo isso, num trabalho de direção austero, filmado em uma proporção quadrada de 1,37: 1, com uma câmera tão fixa, tão estática, que quando se movimenta causa até uma catarse, vide o plano final, com a câmera girando ao redor dos corpos, um dos desfechos mais sublimes que eu já vi…

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Vale destacar ainda um iluminado Ethan Hawke, que dá ao seu reverendo Toller a complexidade que o personagem exige para habitar nesse universo. Um típico “herói” Schradiano, que sofre por inúmeras razões e acha que deve proteger o mundo, o que Deus criou, mas sem se incomodar em se ferir no processo, e dentro dessa lógica encontrar um propósito para sua própria existência. E Amanda Seyfried, também ótima, numa personagem chamada Mary, grávida, o que dá pano pra manga pra outras tantas interpretações…

FIRST REFORMED é uma experiência rara e fascinante, vindo de um dos nomes mais originais do cinema americano pós-70’s, que às duras penas vem conseguindo se adaptar e explorar os novos meios e formas para continuar expurgando seus anseios em forma de cinema. Enquanto Schrader filmar, teremos filmes dignos e inteligentes para aguardar de joelhos… Espero que o velho ainda dure alguns bons anos com saúde e vontade de filmar.

Uma pena que este aqui não tenha sido distribuído no Brasil.

EU QUERO VIVER! (1958); CLASSICLINE

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Para além de seus pomposos vencedores de Oscar, AMOR, SUBLIME AMOR e A NOVIÇA REBELDE, muita gente esquece que o diretor Robert Wise transitava por diversos gêneros com facilidade, sempre deixando grandes obras como resultado. Da ficção científica, com O DIA EM QUE A TERRA PAROU e O ENIGMA DE ANDRÔMEDA, ao horror, com o THE HAUNTING e THE BODY SNATCHER, passando por filmes de ação, noir, western, guerra… Enfim, gêneros não eram problema algum para Wise. Daí temos EU QUERO VIVER!, que é um desses dramalhões pesados à beça, trata de temas espinhosos para a época em situações emocionalmente fortes, e Wise mais uma vez tira de letra.

EU QUERO VIVER! (visto em DVD lançado pela Classicline) recria o drama real de Barbara Graham, a primeira mulher enviada para a câmara de gás em San Quentin, na Califórnia, no início dos anos 50, e dá à atriz Susan Hayward o maior papel de sua carreira. Embora o filme tenha sido feito sob as restrições dos velhos códigos de produção, Wise deixa bem claro o tipo de vida que Graham tinha antes de sua prisão, acusada pelo assassinato de uma idosa, um crime pelo qual, ao que tudo indica, era inocente (na história real, parece que ela era realmente culpada). Prostituta e criminosa em vários sentidos durante grande parte da vida, Graham tenta levar uma vida “correta”. Casa-se, tem filho, mas o casamento se desintegra, e acaba tendo que voltar à velha vida, aos velhos parceiros de crime, para poder botar comida em casa. É detida, junto com seus parceiros, que atribuem o assassinato da velha à ela. Depois de um longo julgamento e um período no corredor da morte, Graham adentra a câmara de gás e é executada.

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É o tipo de filme que poderia degringolar e facilmente apelar para um sentimentalismo besta e óbvio, mas que acaba surpreendendo pela mão firme de Wise e, obviamente, a atuação ousada de Susan Hayward.

Apesar dessa figura moralmente questionável pelos ditos “bons costumes” tradicionais (argh), Hayward constrói uma figura tão fascinante, espirituosa e perspicaz que é difícil não se deixar levar pelo carisma da moça. O filme é todo Hayward, num desempenho intenso sem uma nota falsa. As cenas finais, que levam à execução de Graham, chegam a ser exaustivas de tão fortes em sua intensidade emocional, da agonia ao desespero, até que Graham finalmente perde a longa batalha para se livrar da execução, deixando a implacável e sórdida realidade de sua história uma lembrança indelével na mente do espectador.

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Wise dirige tudo isso com uma mistura de realismo dramático (as cenas finais no corredor da morte são extremamente detalhistas, quase didáticas) e o artifício do film noir, com um magnífico trabalho de claro e escuro, e composições tortas, e embala tudo isso na trilha jazzística de Johnny Mandel, que evoca uma certa energia. Dizem que Wise estava bastante interessado em seguir fielmente os fatos (apesar de algumas mudanças, como tornar a protagonista claramente inocente), e o time de roteiristas baseou o script em artigos escritos pelo jornalista vencedor do prêmio Pulitzer, Ed Montgomery, para o San Francisco Examiner, que acompanhou o caso de perto na época, e também em cartas que a própria Graham real escrevia em seus últimos meses de vida, na prisão. Wise chegou a visitar a verdadeira câmara de gás de San Quentin e até testemunhou uma execução real.

EU QUERO VIVER! não perde tempo fazendo julgamentos vulgares. É filme inteligente, adulto e inflexível, traz uma boa análise sobre a questão da pena de morte e do papel da imprensa no jornalismo criminal ao mesmo tempo em que constrói um drama fascinante com uma personagem muito forte. Hayward acabou ganhou o Oscar de Melhor Atriz naquele ano, sua primeira vitória depois de quatro indicações anteriores, e o filme recebeu outras cinco indicações.

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A edição em DVD da Classicline faz um bom trabalho com o visual, preservando bem a fotografia em preto e branco de forma nítida e forte, com bons contrastes. O DVD pode ser adquirido nas melhores lojas físicas do ramo ou na loja virtual da própria distribuidora.

ALÉM DA IMAGINAÇÃO 1.12: WHAT YOU NEED (1959)

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Este décimo segundo episódio da clássica série ALÉM DA IMAGINAÇÃO tem como base algumas velhas lições de moral. “Cuidado com o que pedes“, “dá uma mão e já querem o braço todo“, ou algo do tipo… Na trama de WHAT YOU NEED, temos Pedott (Ernest Truex), um vendedor ambulante com a incrível capacidade de dizer o que as pessoas precisam antes delas precisarem. Para o bandido de segunda categoria, Fred Renard (Steve Cochran), ele dá uma tesoura. A princípio, o sujeito não entende o motivo de ter recebido o objeto, mas é justamente isso que lhe salva a vida, mais tarde, quando sua gravata fica presa nas portas de um elevador e quase morre estrangulado. Só que Renard quer mais, muito mais, e tenta usar os talentos do velho para seu próprio benefício, transformando a vida de Pedott num inferno.

Obviamente, em certo momento, a justiça cósmica de ALÉM DA IMAGINAÇÃO cai pra cima de Renard de modo fulminante…

O roteiro escrito pelo próprio Rod Serling, criador da série, é baseada num conto de uma dupla, Henry Kuttner e C.L. Moore, e tratava de um cientista que inventa uma máquina que pode ler o provável futuro das pessoas e, em seguida, dava-lhes algo que precisassem para serem guiados na direção correta. Serling gostou da ideia, mas aproveitou só o conceito básico do material de origem. Cortou fora o cientista e sua máquina e resolveu abordar o tema de forma mais simples e direta, como um conto de fantasia urbana, sobre o idoso vendedor ambulante de calçada que pode prever o futuro e vende itens triviais (removedor de manchas, sapatos, tesouras, um bilhete de viagem, etc), mas que acabam por ser peças extremamente valiosas para quem as recebe.

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Apesar de simpático e em alguns momentos bem sombrio, WHAT YOU NEED acaba sofrendo um pouco pela falta de ousadia no roteiro de Serling. A mesma historinha que o roteirista adaptou já era muito manjada na época, fora publicada e republicada em diversos cadernos voltados para a ficção científica e já havia sido até adaptada em outra série também. E não há nada de novo, nenhum frescor, na abordagem de Serling por aqui. No fim das contas, acaba sendo apenas um episódio escorado nas lições de moral sem atingir todo o potencial que o conceito de fábula urbana, um noir fantástico, poderia alcançar.

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A grande qualidade de WHAT YOU NEED fica a cargo da dupla central de atores. Truex, que faz aqui à perfeição o velho vendedor ambulante. Já era um veterano ator que desde 1908, aos nove anos de idade, atuava nos palcos da Broadway. Trabalhou especialmente nos teatros aristocráticos de Londres enquanto o cinema não era muito a sua praia, embora tenha uma obra com mais de cem créditos. Já nos últimos anos de carreira, dedicou-se à televisão. Em ALÉM DA IMAGINAÇÃO voltaria atuar em um episódio da terceira temporada, KICK THE CAN. Já o vilão da trama, Steve Cochran, embora seja muito unilateral, consegue passar de forma magnífica a imagem ameaçadora que seu personagem exige. O cara fez seu nome interpretando bandidos e policiais corruptos durante o ciclo do film noir nos anos 40 e 50, como em PRIVATE HELL 36, de Don Siegel, que já comentei aqui no blog. Cochran também interpretou o braço direito de James Cagney em WHITE HEAT, um dos melhores filmes de Raoul Walsh.

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Especialmente pelos dois atores acima, e algumas cenas bem resolvidas visualmente, graças ao belo trabalho do competente diretor Alvin Ganzer (que viria ainda a comandar mais três episódios da série: THE HITCH-HICKER, NIGHTMARE AS A CHILD e THE MIGHT CASE, todos da primeira temporada), o saldo final acaba sendo positivo. WHAT YOU NEED pode não atingir todo seu potencial, mas é um episódio bacana que passa com clareza a sua mensagem.

Para ler sobre os outros episódios já comentados aqui no blog, clique aqui.