INDEPENDENCE DAY (1996)

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Há vinte anos era mais fácil gostar de INDEPENDENCE DAY, de Roland Emmerich. Pelo menos pra mim, que era um moleque ignorante que não se preocupava com a imagem do imperialismo americano, atuações e diálogos ridículos e não tinha problemas em ficar vislumbrado com efeitos especiais de última geração… Hoje é mais complicado, algumas coisas tendem a incomodar e é comum vê-lo apontado como um desses típicos blockbusters sem cérebro e cheio de clichês simplistas… Mesmo assim, não sei porque fiz isso, me propus a rever INDEPENDENCE DAY (antes de conferir esta continuação que pintou nos cinemas) correndo riscos de achar um autêntico lixo.

Bom, mas aqui estou, sobrevivi a experiência de rever ID4 (como foi apelidado na época, em referência ao 4 de julho americano, Dia da Independência) vinte anos depois e, para minha surpresa, permanece totalmente assistível, continua uma boa diversão para uma tarde fria de domingo. Claro, envelheceu em alguns aspectos, até mesmo nos efeitos especiais, mas o filme chegou naquele estágio de envelhecimento em que encontra uma certa aura nostálgica, onde tudo funciona, onde traz certas sensações… E onde se percebe que o filme tem realmente suas qualidades.

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Até compreendo as porradas que levou da crítica e do público mais adulto da época, e que continua levando até hoje, mas ID4 é um filme que entende sua audiência e entrega exatamente o que esse público específico deseja. Aliás, não apenas ID4, mas toda a filmografia inspirada em desastres de larga escala do diretor Roland Emmerich. O cara fez GODZILLA, O DIA DEPOIS DE AMANHÃ, 2012, este novo INDEPENDENCE DAY e já prepara um filme em que a lua cai na terra… Sim, o sujeito é obcecado com a ideia de destruição, mas também realizou um dos filmes de ação mais divertidos dos anos 90, com dois astros do gênero favoritos do blog: SOLDADO UNIVERSAL, com Van Damme e Dolph Lundgren. Então o cara tem meu respeito. E sabe exatamente o que quer com seu cinema autoral de destruição, além de ser um fanfarrão que não se leva a sério.

É um pouco como o Michael Bay com o seus TRANSFORMERS. Acho que nunca revelei isso por aqui, mas sou fã dessa franquia (qualquer hora dessas vou escrever sobre todos) e tudo porque ela me entrega exatamente o que eu vou buscar quando me proponho a ver esses filmes: robôs explodindo coisas. Ponto. Não quero saber da construção dos personagens, do roteiro cheio de furos, se os acontecimentos são burros ou possuem lógica, eu estou cagando pra isso, quero ver robôs explodindo coisas! Aliás, eu sou fã do Michael Bay, mas isso é outra história… Voltando ao ID4, me peguei com a mesma sensação de quando vejo TRANSFORMERS.

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Trata-se de um filme de invasão alienígena, invasão hostil ainda por cima, numa escala nunca vista antes no cinema até aquele período. Portanto, a única coisa que importa pra mim, o que eu realmente quero com ID4 é ver esses alienígenas do caralho explodindo o máximo de coisas que puderem! O fato dos cientistas perceberem que uma nave do tamanho do Texas está se aproximando da terra só depois de passar pela lua importa? Quero que se dane… O fato do presidente dos Estados Unidos subir num caça e participar de um combate épico contra os alienígenas faz algum sentido? Não, mas tô cagando pra isso! Não é plausível todos os personagens principais milagrosamente acabem parando juntos no mesmo local? Desculpa, este filme não é pra você…

O que importa são as explosões! Importa o Empire Estate Building sendo explodido de cima a baixo, os carros e pessoas voando, sendo arremessadas, o fogo comendo tudo pelas ruas, aviões, helicópteros e caças em chamas, o cão pulando pra dentro do abrigo no último instante, num enquadramento ridículo, a Casa Branca indo pelos ares! É isso que importa. É isso que torna ID4 a grande experiência cinematográfica que é. O que vier além disso é lucro.

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E o que quero dizer com lucro são pequenos detalhes, pequenos toques de mestre que tornam o filme memorável. Algumas cenas são verdadeiros clássicos… Um crítico da veja escreveu na época que ID4 seria esquecido na temporada seguinte, mas desculpa lá, errou feio. Algumas cenas nunca serão apagadas. Todo o primeiro ataque das naves nas três cidades principais nos EUA (L.A., N.Y. e Washington) já estão cristalizadas nos anais do cinema de catástrofe e a imagem da Casa Branca explodindo é um marco e ícone dos filmes dos anos 90. Ninguém vai apagar isso.

Mas se eu tivesse um blog em 1996 e fizesse uma lista com as melhores cenas de ação do ano, com certeza ia colocar a sequência do primeiro contra-ataque americano investido na grande nave. Os pilotos percebendo o campo de força ao atirar seus mísseis e logo depois uma chuva de naves aliens partem pra cima deles arrasando com tudo, num tom de exagero delicioso. Will Smith consegue escapar numa perseguição deflagradora e com inteligência derruba uma das naves. E aí vem o grande toque de classe. Até então, o filme seguia o estilo Spielberg de não mostrar o visual das criaturas do espaço. Aliás, toda a construção do primeiro ato do filme, desde as sombras que surgem sobre as cidades e seus monumentos, até de fato mostrar alguma coisa é digno de nota. Enfim, encarando o desconhecido, Smith vai até a nave e abre o compartimento. O alien aparece em todo seu resplendor: repugnante, monstruoso e assustador. Eu consigo imaginar várias atitudes que o personagem tomaria. Um susto, sair correndo, cair pra trás, mas nunca imaginei que ia desferir um direto no queixo do alien, nocalteando-o… Caramba! Isso é simplesmente genial! Toda essa sequência termina assim, com um nocaute do alien. Acho que por isso Smith conseguiu aquele papel em ALI, do Michael Mann…

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Enfim, nunca fui fã do Smith, mas até gosto dele aqui, por mais simplória que seja seu personagem. Meu favorito, no entanto, é o especialista em informática Dave, vivido pelo grande Jeff Goldblum, talvez a única figura com uma construção mais elaborada. O filme ainda tem Robert Loggia, Randy Quaid, Adam Baldwin e várias figuras típicas do cinema dos anos 90. Mas destaco o Bill Pullman como o Presidente dos Estados Unidos mais estereotipado da vida! Toda vez que ele aparecia na tela eu rachava o bico! O cara é simplesmente o alívio cômico de ID4 e toda a sua participação é feita de caretas e frases patriotas piegas, o que torna o presidente americano mais cômico e ridículo de toda a história do cinema! Na verdade, a parte patriótica do filme é o que o torna chato em alguns momentos (assim como o excesso de personagens) e certos discursos motivantes dão vontade de vomitar, mas relevando isso, a coisa continua funcionando numa boa.

Eu até teria ainda mais coisas pra falar, ID4 é desses filmes cheio de detalhes, muito rico e que traz muito assunto à tona, como a maneira que o filme reflete o contexto de sua época, a era da informática… Estou falando sério! Estão rindo de que?! Mas realmente não vale o esforço, porque no fim das contas a única coisa que importa são as explosões e um soco no queixo de um alien. É o que torna o filme de Emmerich um autêntico clássico. E gostaria de terminar este singelo texto com esta singela imagem aí debaixo… E que venha este novo INDEPENDENCE DAY, que seja tão ridículo quanto este aqui, mas que daqui a vinte anos alguém perca seu tempo fazendo elogios dizendo o quão ele é divertido…

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MAIS “DIRTY” HARRY

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THE ENFORCER (1976)

A trama principal é sobre um grupo terrorista que rouba uma carga de armamento pesado, incluindo lança mísseis e explosivos para fazer um tremendo estrago, e passa a chantagear os responsáveis pela cidade de São Francisco por alguns milhões de dólares. Novamente cabe a “Dirty” Harry Callahan a missão de investigar e parar os meliantes antes que uma merda muito grande aconteça. Mas isso tudo apenas serve de pretexto para outros propósitos. A ideia essencial de THE ENFORCER é fazer com que Harry trabalhe com um parceiro do sexo feminino. E aqui começam as chateações do protagonista… E também do filme. Ok, era algo relevante àquela altura ressaltar o poder feminino e etc, mas não precisavam fazer a tal parceira, interpretada por Tyne Daly, ser tão impertinente. Acaba prejudicando um bocado o andamento da história.

Por outro lado, THE ENFORCER é, de longe, o episódio da série com mais cenas de nudez. Não, Daly não mostra nada, mas dentre as várias cenas que acontecem durante o filme, há uma sequência de perseguição sobre os terraços de alguns prédios na qual o bandido cai numa claraboia e acaba no meio de uma filmagem de um pornô! E tome pêlos pubianos na tela… Dá até prá ver a manjuba de um sujeito antes de Harry continuar a perseguição. Embora eu considere o capítulo mais fraco da série, THE ENFORCER, dirigido pelo batedor de estaca James Fargo, ainda consegue ser melhor que a grande maioria dos filmes de ação policial realizados nos últimos quinze anos. Temos Clint Eastwood, mais uma vez vivendo um de seus personagens mais marcantes, um elenco bacana, diálogos bem elaborados e algumas boas cenas de ação que ajudam a manter o padrão dos dois exemplares anteriores. Infelizmente, sem nunca atingir o mesmo nível no geral… Saiu no Brasil com o título SEM MEDO DA MORTE.

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Harry Callahan adentra os anos oitenta. Em THE ENFORCER a série já era toda do Clint, o roteiro passou pela sua aprovação, quase chegou a dirigir, mas desistiu pouco antes das filmagens começarem e ele mesmo escolheu James Fargo para substituí-lo. Em IMPACTO FULMINANTE não teve jeito. Mais maduro como cineasta, resolveu assumir o cargo de diretor. E deu certo, o filme é bem melhor que o terceiro e o quinto, só perde mesmo para os dois primeiros (imbatíveis), apesar de ser o capítulo mais deslocado da série.

Na trama, Harry novamente torra a paciência dos seus superiores por causa dos seus métodos nada ortodoxos. Mas dessa vez é afastado de São Francisco e enviado a uma cidade pequena para tentar resolver uma série de assassinatos que vem acontecendo. Só essa mudança de ambientação acaba tornando IMPACTO FULMINANTE o mais singular dentre os exemplares da franquia. Mas o filme vai além. É também o mais sombrio da série e praticamente não possui sequências de ação. Mas confesso que nem senti muita falta deste detalhe. A fórmula do gênero policial mais focada na investigação e no quebra-cabeça muito bem bolado do roteiro é interessante na medida certa. O suficiente para prender a atenção e não me importar com a falta de uns tiros calibre 44. E é evidente que a direção segura e autoral de Clint confere um salto de qualidade a este quarto capítulo.

dirtyharry5_06DEAD POOL (1988)

Sempre ouvi dizer como este último filme da série era ruim pra cacete e constrangedor para o velho Clintão. Fui esperando uma porcaria e acabei encontrando um exagerado filme de ação tão divertido quanto aos vários exemplares do gênero que surgiam naquele período. As pessoas são muito chatas ou eu que sou tolerante demais pra esse tipo de coisa? Tá certo que a trama repete a mesma fórmula dos três primeiros filmes: um serial killer a solta pelas ruas de São Francisco e Callahan precisa resolver a situação mais uma vez à sua maneira, para o desespero dos seus superiores. Mas o filme tem bom ritmo, é divertido e possui boa dose de suspense e tensão. Há também a ideia de uma lista negra rolando com os nomes das vítimas numa espécie de jogo e Harry Callahan faz parte dela.

O elenco é um atrativo a parte. Temos uma Patricia Clarkson no auge da beleza; Liam Neeson fazendo um diretor de filmes de horror todo afetado; e um Jim Carey numa participação especial extremamente ridícula, fazendo back vocal de Welcome to the Jungle, do Gun’s, que por si já pagaria o ingresso do filme. Dirigido pelo coordenador de dublês e assistente de Clint Eastwood, Buddy Van Horn, DEAD POOL traz bons momentos de ação. Nada muito especiais, mas os vários tiroteios são bem secos e classudos… A exceção é uma sequência inacreditável que só poderia ter surgido num filme de ação dos anos oitenta: uma perseguição em alta velocidade pelas ruas de São Francisco na qual um carrinho de controle remoto explosivo bota o velho Clint à pisar fundo no acelerador! Ok, DEAD POOL também possui seus problemas, está longe de ser um MAGNUM 44, tá mais um passatempo que um grande filme. Mas, convenhamos, essa sequência é GENIAL!

DIRTY HARRY NA LISTA NEGRA é o título nacional da bagaça.

MAGNUM 44 (Magnum Force, 1973)

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O fato do policial Harry Callahan ter jogado fora seu distintivo ao final de DIRTY HARRY não valeu absolutamente de nada. O filme ganhou esta primeira continuação dois anos depois e logo no início o personagem de Clint Eastwood já aparece de volta agindo como homem da lei, seguindo ainda os seus princípios anti-sistema, algo que os críticos de cinema na época acusaram de fascismo. Bando de chatos politicamente corretos…

Em MAGNUM 44 não temos um mestre como Don Siegel na direção, calhou de ser o pau-pra-toda-obra Ted Post no comando, mas como temos John Milius e Michael Cimino assinando o roteiro fica fácil. Até o Uwe Boll e o Albert Pyun conseguiriam fazer um bom filme.

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Basicamente, o que temos em MAGNUM 44 é uma série de assassinatos inusitados acontecendo, colocando a força policial e “Dirty” Harry para esquentar os miolos. As vítimas são sempre pessoas do mundo do crime. Mafiosos, cafetões, meliantes procurados pela polícia, e o assassino é sempre um policial fardado com o uniforme da polícia de trânsito. Portanto já podemos perceber uma diferença crucial entre DIRTY HARRY e este aqui. Os bandidos não são serial killers com motivos banais, mas justiceiros que decidem iniciar um trabalho de execução para limpar as ruas de São Francisco.

É difícil alguém ter simpatia pelo Scorpio, vilão do primeiro filme, mas com esses caras de MAGNUM 44 você pode pensar “bem, eles agem mais ou menos como o Harry, não? Possuem a mesma ideologia“. E essa é a beleza da coisa. Nós já conhecemos o personagem de Harry, podemos confiar nele, sabemos que só vai atirar em bandidos armados e ainda soltar uma frase cool logo depois. Mas e esse bando de motoqueiros fardados? Quão fina é a linha traçada que separa “Dirty” Harry desses justiceiros? É algo a se pensar, mas parece que o personagem de Clint Eastwood já sabe a resposta e não quer perder muito tempo com estudos sociológicos. Seu negócio é ação.

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E neste quesito MAGNUM 44 se sai realmente muito bem. O diretor Ted Post segue a linha dos cineastas artesãos que sabem fazer a coisa muita bem feita, embora lhes falte o talento de um Siegel ou Peckinpah. Há boas ideias em termos de ação sendo aproveitadas aqui com muita eficiência, como a sequência de perseguição ao final que culmina numa embarcação abandonada e toda a tensão que é construída para deixar o espectador vidrado. Ajuda bastante a presença de Clint Eastwood em cena acrescentando seu habitual toque de classe.

Os assassinatos e o modo de agir dos justiceiros também são destaques. Lembro que foi o que mais me marcou quando era moleque e assisti de uma fita VHS que meu velho gravou da Globo no final dos anos oitenta. A sensação era de estar vendo um filme de horror… Me dava arrepio como tudo era conduzido de forma seca e brutal, o policial pedindo a carteira de motorista do indivíduo e do nada puxava o revolver e mandava chumbo na cabeça. Agora que já sou grandinho a sensação se perde, fica a lembrança. Mas essas cenas ainda possuem muita força.

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Como adiantei no post de DIRTY HARRY de ontem, tenho uma certa preferência por MAGNUM 44 em relação aos outros episódios do policial mais durão de São Francisco. Ok, o filme que originou a série, dirigido pelo mestre Don Siegel, é um autêntico clássico, isso não tenho dúvida alguma, mas este aqui de alguma maneira supera seu antecessor na minha opinião… Não sei, é mais tenso, pesado, é mais nostálgico e divertido, me traz certos sentimentos que o primeiro não traz. Mas também não preciso me justificar tanto, né? Este aqui é um baita filmaço e pronto!

ESPECIAL DON SIEGEL #24: PERSEGUIDOR IMPLACÁVEL (Dirty Harry, 1971)

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DIRTY HARRY é desses clássicos quase incontestáveis do cinema badass. Um dos filmes policiais mais influentes do gênero, ao lado de BULLIT e OPERAÇÃO FRANÇA, na renovação do policial americano tendo até inspirado a italianada a desenvolver o poliziesco, o tipo de filme equivalente realizado no país da bota. Além de criar um dos personagens mais controversos do gênero, “Dirty” Harry Callahan, o tira durão que age de acordo com suas próprias leis, cujos ideais nem sempre vão de acordo com os burocráticos métodos da policia e por aí vai…

Atores para encarnar esse tipo de personagem nos anos 70 não faltavam. Charles Bronson, Burt Reynolds, Lee Marvin, Warren Oates, enfim, a lista é gigantescas de figuras cascas-grossas que dariam vida com perfeição a “Dirty” Harry. Aliás, DIRTY HARRY foi originalmente anunciado tendo Frank Sinatra no papel título. O sujeito vinha fazendo personagens interessantes no fim dos anos sessenta em thrillers policiais e de ação. Mas antes de ser o escolhido, John Wayne, Steve McQueen e Paul Newman também estavam brigando pelo papel. Porém, quando Sinatra desistiu, quem acabou encarnando Harry Callahan foi mesmo o bom e velho Clint Eastwood.

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Eastwood já era um rosto conhecido após a enorme popularidade da trilogia de Spaghetti Westerns que fez com Sergio Leone, além de outras produções, mas foi com “Dirty” Harry que o sujeito atingiu o merecido status de grande astro de Hollywood naquele período por parte do público, que encarou o filme como um thriller de ação dos bons, e não como o produto fascista que alguns críticos apontavam. Sim, “Dirty” Harry tortura e mata bandido sem qualquer remorso… Me chamem de reacionário, mas no cinema e apenas no cinema isso é bom demais!

Com Sinatra pulando fora, o diretor original Irvin Kershner também não quis mais saber do projeto. Melhor pra nós, já que Don Siegel, o intelectual da ação, que já havia dirigido Clint antes diversas vezes, acabou assumindo o posto em mais uma parceria com o ator e fez bonito como sempre. Não faltam por aqui momentos classudos para entrar no currículo do diretor, como a clássica sequência do início, na qual Callahan impede um roubo a banco e aproveita para soltar um de seus discursos mais celebrados:

I know what you’re thinking, punk. You’re thinking “did he fire six shots or only five?” Now to tell you the truth I forgot myself in all this excitement. But being this is a .44 Magnum, the most powerful handgun in the world and will blow you head clean off, you’ve gotta ask yourself a question: “Do I feel lucky?” Well, do ya, punk?

Cortesia de alguns bons roteiristas daquele período do cinema americano, incluindo John Milius, que trabalhou numa das primeiras versões do script.

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Um detalhe que ajudou muito para o sucesso do filme na época, e que talvez não seja um fato tão conhecido assim, é que  DIRTY HARRY foi inspirado na série de assassinatos reais cometidos pelo serial killer chamado Zodíaco. Aquele mesmo que acabou virando um filme bem mais realista nas mãos do David Fincher em 2007. Um baita filmaço, aliás… Mas uma diferença crucial, obviamente, é que por aqui não há moleza para um assassino tendo um policial casca-grossa como “Dirty” Harry Callahan em seu encalço.

Clint Eastwood tem aqui uma atuação magnífica, daquelas que dá pra perceber que o sujeito realmente entende o personagem. E que presença que o sujeito tem na tela! “Dirty” Harry é um ícone, sem dúvida alguma! A cena na qual o bandido mantém um ônibus escolar como refém e avista de longe a figura de Dirty Harry estática, fria, esperando tranquilamente em cima de uma ponte, pronto para fazer sua magnum 44 cuspir chumbo grosso, é algo que não dá para esquecer facilmente.

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Na direção, o estilo de Siegel é magistral, como não poderia ser diferente. DIRTY HARRY praticamente sintetiza tudo o que eu disse em todos outros textos sobre o estilo de direção do homem: simples, cru, essencial… Quando se pensa em DIRTY HARRY, você não necessariamente pensa em grandes sequências de tiroteios e perseguições mirabolantes,  ou enquadramentos e movimentos de câmera elaborados. Você simplesmente pensa que temos aqui um filme bom pra porra, com um personagem principal badass pra caceta! E é exatamente isso que Siegel quer, que o espectador aprecie o grande filme que está diante dos olhos sem interferir, sem chamar a atenção para o seu trabalho. Mas obviamente está tudo lá em termos de direção, é surpreendente como tudo é bem construído, sem pressa, só filmando o essencial… E é evidente que as cenas de ação resultam em momentos de encher os olhos sem precisar agitar a câmera ou acelerar os cortes. Em tempos de HARDCORE HENRY, isso aqui é mágico.

DIRTY HARRY acabou tendo quatro sequências que vou postar logo a seguir… E vejam só, mesmo este aqui sendo essa grandiosidade, gosto mais de MAGNUM FORCE, o segundo filme da série. Mas, questão de gosto pessoal mesmo… A série de filmes do policial “Dirty” Harry Callahan é toda boa, com alguns mais interessantes, como IMPACTO FULMINANTE, outros mais fracos, como THE ENFORCER, mas nunca deixam de divertir com um dos policiais mais controversos do cinema. E os chatos de plantão podem achar o filme fascista ou não, eu prefiro ressaltar a importância que DIRTY HARRY teve para o gênero, a direção magistral de Don Siegel, a atuação de Clint e de Andrew Robinson como Scorpion, o tal serial killer, as sequências de ação pelas ruas de São Francisco e a sensacional trilha de Lalo Schifrin. O resto é resto.

DE VOLTA ÀS RAÍZES

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O blog foi citado na ROCINANTE, um espaço virtual criado recentemente por uma turma da boa para fazer crítica de filmes, com textos de alta qualidade. O primeiro tema deles é filmes de terror contemporâneo e achei legal ver o nome do blog listado entre os sites e espaços que dão atenção ao gênero aqui no Brasil (o Dia da Fúria também foi citado e me bateu saudade…). Fiquei realmente feliz pela lembrança deste espaço aqui.

No entanto, o que realmente me chamou a atenção é o fato de que fomos citados sob a alcunha do saudoso Dementia¹³, título que mudei há algum tempo, e não por O Homem dos Olhos de Raio-X. Fiquei pensando como  Dementia¹³ deve estar difundido na blogosfera de cinema (se é que ainda existe uma) e na cabeça de quem visita aqui o recinto há mais tempo… Então, foda-se, mesmo não sendo mais muito com a cara desse nome, retorno com a alcunha original, de volta às raízes. O Dementia¹³ nunca saiu daqui, mas está volta.

007 CONTRA O SATÂNICO DR. NO (Dr. No, 1962)

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A primeira vez que assisti a 007 CONTRA O SATÂNICO DR. NO, de Terence Young, filme de estreia do agente secreto britânico mais famoso do cinema (e talvez da literatura também), eu devia ter meus onze ou doze anos e já estava bastante familiarizado com o personagem e com vários de seus filmes, especialmente os estrelados pelo Roger Moore em incansáveis reprises na Sessão da Tarde. Portanto eu me esbaldava com o lado pitoresco, divertido e extrovertido da série e lembro de ter achado DR. NO um bocado distante dessa lógica, com tom mais sério e narrativa lenta, apesar de não ter achado ruim. Mas foi um pouco decepcionante, devo confessar…

Evidentemente, ao longo dos anos e de várias revisões toda essa impressão ficou lá na infância. Hoje já considero DR. NO um dos grandes clássicos do período e um exemplar notável de spy movie cheio de cenas marcantes dentro da saga de James Bond, apesar de muitas características notadas naquela primeira olhada serem de fato verdadeiras. O filme realmente tem um tom mais verossímil e sisudo em vários sentidos do que qualquer outro exemplar da série, mas que não signifique que seja algo negativo…

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O filme começa já com típica apresentação de créditos que todos os filmes do 007 possuem, mas sem grande elaboração visual, sem uma canção que tenha virado hit de algum músico ou banda… Na verdade, utilizam a própria canção tema de James Bond, depois muda para um som de ritmo latino e em seguida a famosa musiquinha dos três ratos cegos, onde a partir disso o filme começa em grande estilo, na Jamaica, na qual um agente secreto britânico é assassinado à balas por supostos três ceguinhos…

Depois vamos à Londres. A primeira aparição de Bond em DR. NO, interpretado pelo grande Sean Connery, só poderia ser mesmo jogando cartas com a aristocracia britânica. A câmera enquadra apenas mãos, cartas e uma bela mulher de vermelho que se apresenta como “Trench, Sylvia Trench”, ao que o agente secreto responde, agora com a câmera pela primeira vez enquadrada nele, acendendo um cigarro, “Bond, James Bond”. O sujeito é chamado às pressas ao escritório, mas arranja um tempinho para dar seu cartão à Senhorita Trench com segundas intenções. Ao chegar ao local, James joga seu chapéu no cabideiro, uma outra marca registrada de 007, assim como as brincadeiras sem vergonha com a secretária Moneypenny. Na reunião com seu superior, M, que lhe dá a missão de ir à Jamaica investigar o que anda rolando por lá, Bond tem sua arma substituída por uma Walther PPK, que se tornou conhecida como a clássica arma de James Bond. Achei legal que o protagonista comenta que estava usando sua Beretta por dez anos, ou seja, neste ponto, 007 já é agente MI6 por um tempinho considerável. Agora, eu sei que DR. NO não foi o primeiro romance do espião escrito pelo Ian Fleming (CASSINO ROYALE, no caso), por isso é interessante que já tenham escolhido um episódio mais à frente, para elaborar um personagem com certas características e relações já muito bem estabelecidas, o que contribui bastante para esse pontapé inicial que a série possui.

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Na Jamaica, Bond encontra-se fazendo progressos, mas num ritmo devagar, quase parando… Como disse, DR. NO é muito mais vagaroso do que os filmes do agente secreto que viriam depois, mas ressalto que isso nem sempre é uma coisa ruim. É apenas diferente, com uma narrativa bem mais realista e sem os habituais exageros em sequências de ação mirabolantes. Mesmo assim, não faltam por aqui alguns momentos clássicos e espetaculares, guardando as devidas proporções, para entrar na galeria de feitos dos filmes de James Bond.

Uma das coisas que mais me surpreendeu nessa revisão é a maneira como são mostradas as mortes causadas por Bond. Na maioria dos seus filmes, a matança acontece desenfreada com capangas aleatórios sem rosto definido na tela, o que é legal. Mas em DR. NO a morte é tratada de forma mais pesada, não por serem sangrentas ou brutais, mas acontecem em situações mais realistas, causando mais impacto. Há uma cena em que Bond cria uma armadilha (o clássico travesseiro debaixo das cobertas) e quando um sujeito chega para assassinar o herói, Bond lhe surpreende. 007 coloca o sujeito sentado a uma cadeira, faz-lhe algumas perguntas e então atira no homem à queima roupa…

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Outra cena que ficou na minha cabeça é quando um dos capangas do Dr. No procura por Bond e este lhe pega de surpresa por trás com uma faca, perfurando o sujeito sem apresentar remorso algum. Mel (Ursula Andress) ainda lhe pergunta “Por que?” e ele responde “Porque eu tive que fazer”… E é interessante esse diálogo porque mostra um pouco da personalidade de Bond nesse quesito. Ele não apresenta remorso, mas matar não lhe dá prazer. Apenas tem consciência de que é algo que faz parte do seu trabalho e precisa ser feito. Qualquer vacilo nesse sentido é caixão pra ele…

E já que citei a musa Ursula Andress, o que é a cena da sua clássica aparição? Isso sim é um espetáculo! Excelente maneira de apresentar a primeira Bond Girl, embora só entre em cena mesmo depois de uma hora de projeção, quando Bond já havia traçado duas mulheres antes dela durante o filme… Mas, acontece, né? Ela não parece ser muito ciumenta mesmo.

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Outro personagem fascinante é o próprio Dr. No. É legal a ideia de não lhe mostrarem a cara durante a maior parte do filme, apenas deixar ouvir sua voz, o que acrescenta aquele tom de mistério agradável ao vilão, algo que sempre tentaram fazer em vários outros capítulos da série, às vezes com sucesso, outras nem tanto… E James Bond tem boa química com o personagem, uma boa química com seu nêmesis, que é outro detalhe habitual da franquia.

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Para finalizar, temos um Sean Connery que parece ter nascido para ser James Bond, muito à vontade no papel do sofisticado agente à serviço secreto de sua majestade, sendo o galanteador pegador de mulheres ou o bruto frio que mata sem piedade os meliantes quando precisa.

DR. NO sempre me pareceu um grande filme e a cada revisão foi ficando ainda melhor. Não é exatamente o que se espera de um “filme de James Bond” habitual depois de perceber o que a série se tornou, repleta de exageros sem noção, mas que me diverte à beça, mas como um filme de espionagem sério e realista é possível desfrutar desta belezinha aqui.

TIGER CAGE (Dak ging to lung, 1988)

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por LUIZ ALEXANDRE

Yuen Woo Ping é um diretor e coreógrafo de ação com uma carreira de mais de 40 anos. Após ser convidado pelos irmãos Wachoswki para coreografar MATRIX, e embasbacar o mundo com cenas de ação tão elaboradas e criativas (além de fazer o Keanu Reeves parecer o Jet Li), teve sua obra revisitada e introduzida a uma nova geração de cinéfilos. Yuen, que começou a dirigir ainda nos anos 70, trabalhou em muitos clássicos de kung fu old school, tais quais DRUNKEN MASTER (1978), com Jackie Chan, e MAGNIFICENT BUTCHER (1979), com Sammo Hung. Aliando coreografias energéticas, misturando acrobacias e técnicas da ópera chinesa ao kung fu, além de muito bom humor, é de chamar a atenção que TIGER CAGE tenha surgido em sua filmografia, e mais ainda que seja tão pouco comentado*.

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Na trama, um grupo de policiais (formado pelo astro pop Jackie Cheung, Carol Do Do Cheng, Leung Ka Yan, Ng Man Tat, Simon Yam e um jovem Donnie Yen) está tentando prender um perigoso tríade (Johnny Wang Lung-Wei, vilão clássico da Shaw Bros.), que escapa após uma intensa perseguição. Após a fuga, ele arquiteta sua vingança contra um dos policiais, matando-o. Na busca por capturar o criminoso, um dos membros descobre que alguém de sua equipe está envolvido com tráfico de heroína, o que causará um fatídico racha na relação quase familiar entre eles.

Como dito antes, Yuen ficou conhecido pelas intrincadas coreografias em tramas lúdicas. Entretanto, o que vemos aqui é bem diferente do que ele havia produzido até então. Em vez do humor e leveza, temos uma história policial trágica e sangrenta; em vez de armas improvisadas ou técnicas mágicas, temos revólveres e punhos. Os tiroteios não são estilizados como nos filmes de John Woo, mas são todos muito bem encenados e editados. As cenas de luta são em sua maioria mais secas e sujas que o habitual, mas vale destacar a peleja entre Donnie Yen contra o dublê e amigo Michael Woods, que já nasceu clássica.

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Como é um filme com muitos personagens, algo comum no cinema local, o protagonismo do filme fica dividido, mas vale ressaltar o destaque dado a personagem de Do Do Cheng. Em um cinema tão focado em homens, é interessante que Yuen tenha dado a atriz um dos papeis mais importantes e bem desenvolvidos da trama. Ela mesma participa de alguma das perigosas cenas de ação que HK eventualmente colocava seus elencos ao longo daquele período. Ng Man Tat, ator mais conhecido pelas parcerias com o comediante Stephen Chow, mostra aqui um lado mais contido e sério. Jackie Cheung, que ficou mais famoso no ocidente por sua participação no clássico BALA NA CABEÇA (John Woo, 1990), não é nenhum lutador, mas compensa com uma performance intensa tanto no drama quanto nas cenas de ação.

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Com um ritmo acelerado, cenas de ação muito bem encenadas, personagens majoritariamente bem construídos e uma tensão atípica dentro de sua filmografia, é um crime que TIGER CAGE não seja mais lembrado. Definitivamente é um dos melhores filmes policiais chineses produzidos em um período marcado por tantos clássicos.

*Dois anos depois, Yuen lançaria TIGER CAGE 2, uma continuação em nome apenas,
protagonizada por Donnie Yen. Por ser um filme de ação mais direto, focado em boa
parte no virtuosismo físico de Yen, este acaba por ser bem mais lembrado entre os fãs do cinema de ação chinês.

NICO, ACIMA DA LEI (Above the Law, 1988)

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Primeiro, uma constatação óbvia, a de que a cinefilia anda em círculos. Por aqui já girou e girou e girou e retorno ao tipo de filme que realmente me dá prazer em ver, escrever e divulgar. Por mais que às vezes tente me desvencilhar, gosto mesmo é do bom e velho cinema de ação casca-grossa dos anos 80 e 90. Dos Dolphs, dos Van Dammes, dos Stallones, dos Seagals… Me peguei pensando nisso porque resolvi rever mais uma vez o primeiríssimo filme deste último, NICO, ACIMA DA LEI, e me deu uma baita vontade de escrever (embora já tenha até comentado alguma coisa no blog antigo). Pois é, tanto filme novo pra ver, acabo preferindo “perder meu tempo” revendo um bagulho que já vi tantas vezes, mas que me devolve o prazer de continuar “blogando”. Mas é sintomático e não posso fazer mais nada a respeito, a não ser aceitar minhas preferências e obrigações com o blog… E vamos ao filme:

NICO, ACIMA DA LEI, possui tanto caráter de “primeiro filme”que o Seagal nem tinha ainda seu característico rabinho de cavalo cretino. Mas não chega a ser um detalhe preocupante, porque a ausência do excesso de cabelo na nuca do ator não interfere em nada seu desempenho nas artes dramáticas ou ao distribuir pancadas e tiros nos meliantes de plantão. Com exceção, é claro, do aspecto visual dos enquadramentos, já que Steven Seagal sem cabelinho balangando é a mesma coisa que Jack Nicholson assistindo a um jogo dos Lakers sem óculos escuros. No entanto, o filme já apresenta todos os elementos essenciais, sejam eles físicos ou filosóficos, do cinema de Seagal. O que quero dizer com isso? Quero dizer que já aqui, neste debut, o sujeito esgota o seu arsenal ideológico e de braços quebrados de uma tacada só, definindo a sua persona singular para o restante de sua longa filmografia que viria a seguir nas próximas décadas e que perdura até hoje, independente da qualidade lamentável de alguns trabalho atuais.

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Seagal interpreta em NICO, ACIMA DA LEI o policial do título, Nico Toscani, personagem com tons auto-biográficos, já que a produção e o roteiro tem o dedo de seu criador (não é a toa que Seagal já tenha declarado que Nico foi o papel que mais gostou de fazer). O personagem é o próprio Seagal e o filme começa como um autêntico documentário sobre a vida do ator, incluindo uma sessão de fotos pessoais nos créditos de abertura e uma narração em off sobre os primeiros passos de Nico no mundo das artes marciais, mais especificamente do aikido, e que possui paralelo com a própria história do ator, assim como sua relação com a CIA . Na vida real, Seagal foi instrutor de artes marciais de agentes. Já no filme, Nico realmente torna-se um, tendo até uma passagem bem desagradável na guerra do Vietnã no início da década de 70.

Mas a trama transcorre mesmo quinze anos depois dos acontecimentos no Vietnã, com o protagonista trabalhando na polícia de Chicago – o sujeito é desses tiras durões que gostamos de ver neste tipo de filme – investigando um intrincado caso de tráfico de drogas, que acaba resultando em algo muito maior e mais perigoso e que põe a sua vida e a da sua família em risco a cada nova descoberta (a esposa do cara é ninguém menos que a delícia Sharon Stone). Nico e sua parceira (a musa Pam Grier) se vêem envolvido numa conspiração da CIA com objetivo de assassinar um senador. Barra pesada! A coisa esquenta ainda mais quando, e aí voltamos às questões do Vietnã, descobre-se que a mente maquiavélica por trás do plano é justamente um desafeto de Nico, interpretado pelo grande Henry Silva.

E aí, meu caros, é pancadaria, tiros, uma igreja explodida ali, mais pancadaria… Ação da boa!

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Um dos grandes baratos de NICO é ver Steven Seagal por aqui tão ágil e magro em contraste com sua forma física atual. Chega a ser um choque. Por isso que é tão fácil tê-lo como alvo de chacota e esquecer o quão badass e cool ele podia ser. A prova está aqui. Seagal se apresenta com muita expressividade física e realmente parece intimidante durante as cenas de luta, sem contar que seu desempenho como homem de ação é muito bom. Acreditem, ele é natural e parece mesmo confortável na frente da câmera. Não iria exigir isso de ninguém, até porque não quero perder os poucos leitores que tenho, mas sintam-se à vontade para comparar a performance do sujeito em seus primeiros filmes com seus posteriores, onde aparece visivelmente preguiçoso, duro e com má vontade até mesmo para proferir suas falas. Claro, existem algumas exceções…

Outro detalhe que vocês já devem ter percebido com NICO foi a capacidade de reunir um elenco dos bons para este primeiro filme de um sujeito até então meio desconhecido. A musa do blaxploitation Pam Grier, Sharon Stone e Henry Silva como vilão com planos diabólicos e risada maquiavélica e que possui uma boa variação de técnicas para torturar pessoas de língua presa? Puta merda! E ainda tem uma pontinha “piscou perdeu” de um jovem Michael Rooker, numa cena logo no início, no primeiro bar em que Seagal faz seu primeiro quebra-quebra da história do cinema.

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A direção de NICO ficou por conta de Andrew Davis, que era um cara legal no inicio da carreira. Realizou algumas coisas bacanas como CÓDIGO DO SILENCIO, com Chuck Norris, THE PACKAGE, com Gene Hackman e Tommy Lee Jones, e voltou a trabalhar com Seagal em A FORÇA EM ALERTA, que é um dos filmes mais divertidos do ator. Mas depois de O FUGITIVO, Davis deixou seu nível cair bastante. NICO é seu quarto trabalho e ainda tinha pulso firme para sequências de ação e porrada, elementos que não podem faltar num filme como este, especialmente quando se pode explorar as habilidades de um Steven Seagal em cenas de luta (a sequência com um facão é sensacional). Mas não só isso: tiroteios bem filmados e uma sequência de carro em alta velocidade com Nico no capô são grandes destaques em termos de ação por aqui.

Aliás, o fato de Davis ser o diretor tanto de NICO quanto de CÓDIGO DO SILÊNCIO é meio estranho, porque são filmes irmãos. Ambos se passam em Chicago, abordam temas de policiais corruptos (inclusive com os mesmos atores) e em ambos Henry Silva faz o vilão… É igual, mas é diferente, sabe como é? Uma sensação de déjà vu… Enfim, mas o principal elemento que os diferencia é Steven Seagal e seu personagem auto-biográfico. Isso, aliado a boa história, que não traz nenhuma novidade, mas também não inventa moda, fazem de NICO, ACIMA DA LEI uma bela estreia do ator e até hoje continua um dos melhores trabalhos de Steven Seagal.

ESPECIAL DON SIEGEL #23: O ESTRANHO QUE NÓS AMAMOS (The Beguiled, 1971)

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por MARCELO NARDI

Em 1971, independentemente do que viria no futuro, Clint Eastwood já tinha o seu nome assegurado como um ícone do cinema. O “Estranho Sem Nome” dos filmes de Sergio Leone já havia garantido o seu status para a eternidade. Nos faroestes, os personagens os quais ele se acostumou a interpretar, já haviam enfrentado sádicos bandidos, queimaduras no sol do deserto e surras monumentais, mas nunca antes um personagem do homem havia sofrido tanto quanto nas mãos das mulheres do filme mais perverso e estranho que Don Siegel dirigiu. Terceira parceria entre ator e diretor, THE BEGUILED baseado em uma adaptação literária do gênero sulista/rural americano, foi também, segundo Siegel, a sua própria realização preferida. E isso quer dizer muito, aliás, uma das curiosidades é que durante as filmagens Eastwood conduziu um documentário sobre os bastidores do filme intitulado “The storyteller”. Isto demonstra que na época o ator e iniciante diretor já era um devoto de Don Siegel, provando o seu respeito com essa produção documentária que abordava a visão criativa do artista. Em 1992 Clint Eastwood viria a dedicar sua obra-prima máxima OS IMPERDOÁVEIS para o próprio Siegel. Até poderíamos apontar alguns paralelos entre os dois filmes, como por exemplo a mola propulsora das tramas girarem ao redor de articulados e hierárquicos grupos de mulheres com lideranças bem definidas.

Nos meses finais da guerra civil americana, Clint é John, um soldado Yankee que nos é apresentado logo de cara ferido, sozinho, perdido em território inimigo e semi-inconsciente no meio de uma floresta no sul dos Estados Unidos. Ele tem a sorte (ou azar, difícil decidir) de ser encontrado por uma jovem garota que saltitando, colhe cogumelos na floresta como se no primeiro momento tivesse saído diretamente de algum filme completamente diferente.  Na primeira das muitas controversas cenas do filme, John lasca um beijo na menina apenas para confundir uma caravana de soldados locais que rapidamente passam por eles. “Livre do perigo”, aos trancos e barrancos o soldado a beira da morte é conduzido por ela até o portão de ferro de uma escola para mulheres, com ares de convento, onde ela mora junto a uma dezena de moças e uma diretora. A tradicional escola é um casarão colonial isolado no meio da floresta com um grande terreno cercado por enormes portões de ferro.

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Dividida entre acolher o inimigo ferido ou entregá-lo as autoridades militares conterrâneas, a diretora Mrs Martha (Geraldine Page) opta por “ajuda-lo” momentaneamente, o escondendo em um quarto improvisado e tratando todos os seus machucados. A presença de um homem entre elas, depois de muito tempo isoladas de companhia masculina, impacta de forma considerável a rotina das mulheres da casa. Entre elas está Edwina (Elizabeth Hartman) uma professora virgem de 22 anos que fica encarregada da chave do quarto de John. Relutante e tímida no inicio ela logo acaba apaixonada pelo camarada. Mesmo sem o peculiar charuto no canto da boca, aqui Clint encontra-se tão canastrão e persuasivo quanto nos faroestes da trilogia dos dólares e logo no início ele percebe na paixonite da professora uma alternativa para sair livre do lugar caso o perigo bater na porta, afinal a qualquer momento poderia adentrar um soldado local e o leva-lo preso ou até mesmo abatido dali.

Mas no seu primeiro momento desperto e bem alimentado, já com consideráveis mordomias e mesmo com boas possibilidades de sair facilmente portão afora, John não parece com muita pressa e aproveita as tardes livres trovando as garotas, a diretora e até mesmo a cozinheira da escola (sim até mesmo a cozinheira!). Entre as garotas maiores de idade também está a nem um pouco tímida e estonteantemente loira e linda Carol (Jo Ann Harris) que fazendo justiça ao soldado, foi a primeira a se oferecer aos braços do camarada. Curiosamente a atriz e Eastwood iniciaram um caso de amor que durou até alguns anos após a produção.

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Com o passar dos dias essas regalias femininas ao redor de John vão se acumulando em sentimentos de medo, atração, desejo, ciúmes, mágoa e até mesmo ódio e o filme lentamente e depois explosivamente vai ganhando formas mais perversas que colocam John em extremos maus lençóis.  O resultado é uma espécie de conto de fadas as avessas em crescente tensão (imaginem o que aconteceria se o lobo mau fosse mantido em cativeiro pela chapeuzinho vermelho e pela sua vovozinha ou algo parecido).

Don Siegel conduz muito bem essa atmosfera toda e coloca o espectador masculino a roer unhas e se contorcer na cadeira, com um desenrolar realmente muito pesado e em certas partes nauseante para o nosso ponto de vista. Esse é o filme de terror psicológico do grande diretor que escolhe a dedo um herói do cinema de gênero e o atira no meio de um furacão feminino de emoções suprimidas. Siegel deveria saber por isso que o filme não funcionaria com outro ator, que não tivesse um apelo popular tão grande.

No ápice de sua carreira Don Siegel não abriu mão da sua objetividade característica para conduzir um dos seus filmes mais embriagantes, ele mantém a direção concisa e com pés no chão seguindo uma narração linear e se utilizando apenas de breves flashbacks, um sonho e preciosos zoons nos rostos dos personagens para enfatizar a situação claustrofóbica vivida por John. Outro dos ingredientes brilhantes do filme é a canção de soldado entoada provavelmente por uma das meninas da escola, que abre e fecha os créditos contando como paisagem de fundo a parte externa do casarão, cheio do verde das árvores que é eficientemente capturado pela deslumbrante fotografia do filme. Nas sequências ao ar livre alguns enquadramentos remetem a um faroeste e o espectador que cair de paraquedas na sessão deve facilmente imaginar que a qualquer momento Clint Eastwood pode e vai se envolver em algum tiroteio ou algo parecido.

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Meses depois ainda em 1971, Don Siegel estaria lançando nos cinemas DIRTY HARRY e retomaria o seu curso no gênero policial e de ação com filmes empolgantes e populares, mas essa sua incursão nos bastidores da guerra civil (afinal o que diabos transcorre em uma escola para mulheres durante a guerra enquanto a bala come solta e os homens se matam do lado de fora?) ainda permanece como um dos seus filmes mais singulares e marcantes, além de representar uma rica contribuição do diretor a escola de cinema da Nova Hollywood, período no qual estúdios como a Universal, responsável por tornar possível THE BEGUILED estariam propensos e mais dispostos a lançar filmes controversos, autorais e livres de grandes censuras. Isto no papel, porque na prática o diretor e o seu ator principal tiveram que brigar bastante com os executivos da Universal para conseguir manter o final que eles idealizaram.

ESPECIAL DON SIEGEL #22: OS ABUTRES TÊM FOME (Two Mules for Sister Sara, 1970)

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por GABRIEL LISBOA

Se quando falei sobre MADIGAN foquei no início do filme, acho melhor começar pelo fim com essa análise e por isso esse texto tem vários spoilers. Começo com a sequência final de OS ABUTRES TÊM FOME e mais pra frente conto direito a estória. Enfim. Estamos no meio de uma invasão de um grande grupo de revolucionários mexicanos a uma base fortificada de interventores franceses no México (acho que nunca havia visto um filme com esse contexto histórico). Clint está do lado dos mexicanos, mandando para o saco todos os invasores da terra da “omelette du fromage”. Em determinado momento ele segura numa corda presa a um cavalo com uma mão e na outra acende uma dinamite. Ele toca o cavalo que avança arrastando Clint pelo chão, desviando das balas. O homem se solta, joga a dinamite num portão e depois de ter aberto a passagem corre enquanto balas ricocheteiam do seu lado. Coisa linda. Eu até tinha achado que tudo tinha acontecido no mesmo plano quando comecei a escrever mas depois voltei para rever a cena e notar os dois cortes rápidos.

Acho que aí podemos pensar um pouco sobre o que faz uma boa cena ou filme de ação já que em outros posts o Ronald ressaltou esse ponto da filmografia de Don Siegel, que eu não conhecia muito bem. Alguns pontos como trabalhar com uma profundidade de campo, planos abertos, respeitar os momentos dos cortes para que não interfiram com nosso interesse pela realidade do evento (coisas que André Bazin já falava em 1950 sobre NANOOK) são essenciais. Até gostaria de ficar falando mais sobre isso, mas já vi que ia enrolar demais. Quem sabe numa próxima. Mas o que fica de interessante sobre esse filme do Siegel é confirmar que toda cena de ação precisa ser construída e pensada para evoluir criativamente. Na maioria das vezes até dentro de um certo padrão. E é o tipo de coisa que raramente cansa os amantes do cinema de ação. A entrada furtiva, as explosões para confundir os inimigos, os tiroteios e no fim a trocação de sopapos e pontapés. Vários exemplares desse estilo seguem essa sequência e muitas vezes até nos decepcionamos se alguma coisa atrapalha o andar dessa carruagem. Siegel deixa ação fluir. Até há uma cena com uma metralhadora giratória que Clint usa para matar alguns soldados. E por pouco tempo, o que não deixa que esse artifício, por exemplo, canse pela repetição.

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Uma pausa para fazer propaganda de THE STRANGER AND THE GUNFIGHTER, com o Lee Van Cleef e Lo Lieh, um baita filme. Na sequência de ação final Cleef prende uma dessas gatling gun em dois cavalos e sai se arrastando enquanto gasta munição. A temática desse filme também lembra a de ABUTRES. Um sujeito estranho ao terreno hostil dos desertos do velho oeste é auxiliado por um cara durão e ambicioso para alcançar seu objetivo. Em THE STRANGER o peixe fora d’agua é um mestre do kung-fu que precisa ler pistas tatuadas em bundas de prostitutas em busca do tesouro do tio. Em ABUTRES o enredo não é tão interessante mas a dinâmica de Clint Eastwood com Shirley MacLaine, que interpreta uma freira simpática a causa dos Juaristas, é muito boa. O roteiro ajuda muito porque sempre coloca-os em várias situações de tensão. O primeiro encontro dos dois acontece quando a Sister Sara do título, personagem de MacLaine, está prestes a ser abusada por três canalhas. Hoogan, o personagem de Clint, resgata a moça seminua e depois descobre que ela é uma freira por suas roupas. Ela está sendo procurada por uma tropa de franceses por ajudar os revolucionários. Os dois fogem e depois, a noite, acabam percebendo que tem o mesmo interesse: acabar com o forte que comentei no início, ele pelos tesouros ali guardados e ela por raiva dos “colonizadores”.

Coincidências a parte, é na virada da personagem de Sara que a coisa fica um pouco confusa. Vou estragar a grande surpresa do filme. Sara na verdade não é uma freira mas uma prostituta. Ela matou um oficial e por isso odeia o regimento. Não há uma noção humanitária que a motiva em punir os opressores. Pelo que entendi era isso. Outro ponto é que no começo do filme ela mente dizendo que ia três vezes por semana “ensinar línguas” para os franceses como freira e por isso ela sabe tanto sobre a base. Então economicamente seria vantajoso para o prostíbulo a instalação vizinha com aquele bando de soldados. Ou não? Se ela só estava sendo procurada, poderia fugir e ponto. O desejo de destruir a base francesa faz até mais sentido para uma freira já que elas geralmente se envolvem em conflitos, assim como padres e afins. Quando vi A MISSÃO fiquei pensando nisso. Nossa noção de religiosidade é tão bombardeada com escândalos de lideres religiosos e doutrinas absurdas que hoje é difícil fazer um filme com uma personagem com uma perspectiva solidária sem parecer piegas ou inverossímil. Achei engraçado o lance dela, por fim, ser uma prostituta. E tem o fato de que ela e Clint “precisarem” ficar juntos no final. Mas ia achar interessante se o filme fosse um percursor do gênero freiras badass e do nunsploitation. Sara é uma personagem feminina forte pra caramba.

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Já o personagem do Clint é uma cópia do Estranho-Sem-Nome dos filmes do Leone. Não sei se posso chamar de cópia já que se trata do mesmo ator, mas gostaria de ver um pouco de variação num papel como esse interpretado por ele, um tempero que deixaria o personagem mais interessante. Sempre com a cara feita de pedra. Quem sabe um dia assisto PAINT YOUR WAGON para ver como ele e o Lee Marvin se saem num musical. Duas outras semelhanças com os westerns de Leone são as filmagens fora do lugar-comum do oeste americano e a trilha de Ennio Morricone. O filme foi gravado no México e vários membros da equipe são mexicanos. Quando li um pouco sobre esse tipo de realização bilíngue, no caso dos westerns italianos, fiquei interessado em entender um pouco mais como eram realizadas as filmagens. É algo que seria muito interessante de ver se naquela época os produtores se preocupassem com extras do DVD. Quanto a trilha de Morricone, assim como em qualquer filme em que compõe sua música, fica difícil não se empolgar com as variações e sons incomuns presentes nos temas e o uso dos leitmotivs. Tenho mais vontade de assistir EXORCISTA 2 por “Magic and Ecstasy” do que pelo próprio filme. Era alguém que merecia um documentário por décadas de trabalho.

Não me lembro de ter lido sobre esse filme em lugar algum, mas me surpreendi e gostei bastante. Talvez o filme não tenha um reconhecimento maior porque usa de várias fórmulas batidas de westerns e screwball comedies. Mas é tão bem encaixado, com bom ritmo e diálogos que a diversão é garantida. É o caso de 007. Eu acho que deveriam parar de fazer filmes de James Bond. Vinte e quatro filmes é muita coisa! Confundo as cenas e as tramas de vários deles (dá-lhe cena de esqui e mergulho). Mas bastou ver o trailer de SPECTRE para me empolgar. Amor e ódio a Hollywood. Agora, só não me venham refilmar AVENTUREIROS DO BAIRRO PROIBIDO, seus sanguessugas!

Gabriel Lisboa, além de eventualmente colaborar por aqui, edita o excelente blog Cine Bigode.

ESPECIAL DON SIEGEL #21: MORTE DE UM PISTOLEITO (Death of a Gunfighter, 1969)

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Assisti finalmente, para dar continuidade ao eterno Especial Don Siegel, o faroeste humanista MORTE DE UM PISTOLEIRO, que acabou renegado pelo diretor por alguns motivos que explico mais adiante, até porque trata-se de um belíssimo exemplar de western, com personagens interessantes e um contexto histórico reflexivo. Portanto não é pelo resultado que Siegel  não quis seu nome nos créditos.

A premissa, pra começar, é excelente. À beira do século XX, a pequena cidade de Cottownwood Springs, no Texas, está determinada a modernizar-se, deixar para trás o ultrapassado e arcaico sistema do velho oeste. O problema é o xerife do local, Frank Patch, vivido pelo grande Richard Widmark, um homem da lei brutão, à moda antiga, que coleciona no currículo uma variedade de mortos em tiroteios questionáveis. Quando mata em legítima defesa o bêbado Luke numa noite qualquer, os líderes da cidade decidem, após uma calorosa reunião, tomar uma drástica decisão: é hora de mudar seu representante da lei.

Até aí tudo bem. Eles pedem educadamente a Frank que renuncie seu cargo, mas o sujeito casca-grossa se recusa, lembrando que quando foi contratado foi-lhe prometido que ficaria no trabalho de xerife o tempo que quisesse, e dane-se o resto. A coisa poderia ir para um tribunal, o problema é que Frank, além de tudo, conhece profundamente cada um dos segredos sujos e repugnantes da cidade e de seus líderes, o que não seria nada agradável vir à tona… Decidem então agir como o próprio Frank, à moda antiga, usando a violência como última alternativa para tirar o indesejável xerife do caminho.

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Já vimos alguns faroestes com a temática do moderno x arcaico, as transformações que interfeririam na vida de pistoleiros e cowboys do velho oeste com a virada do século, como MEU ÓDIO SERÁ SUA HERANÇA, de Sam Peckinpah, ou  OS ÚLTIMOS MACHÕES, de Andrew V. McLaglen, e vários outros. E é legal notar como MORTE DE UM PISTOLEIRO entra no meio desse conjunto de obras reforçando de maneira singular o tema, trabalhando o anacronismo de um xerife que ainda acredita na honra e em fazer seu trabalho da maneira que tem que fazer, ou morrer tentando. Numa das melhores performances de Richard Widmark que eu já vi, o grande destaque do filme.

Civilização é uma coisa incrível“, diz o personagem de John Saxon – que faz aqui uma ótima participação – depois dos tais “homens de bem”, os líderes da cidade que querem progredir a qualquer custo, decidem matar o xerife covardemente. Ao mesmo tempo, é interessante como o filme cria uma identificação do público com o xerife Frank, torcemos por ele até os últimos minutos, mas começamos nós mesmo a perceber que a única maneira dele alcançar sua redenção é realmente parando a sete palmos debaixo da terra, numa sequência final das mais emocionantes e corajosas que Siegel já filmou. Mais um para entrar na galeria dos seus finais fortes, sem concessões e niilistas.

E que viva o cinema transgressor de Don Siegel como  MORTE DE UM PISTOLEIRO e abaixo o cinema bunda-mole atual! 

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Por falar no Siegel, o filme entra no seu Especial aqui no blog, porque evidentemente percebe-se a mão do diretor em vários momentos, como o já citado desfecho, mas também nas cenas de tiroteio, com seu estilo cru e seco, filmando apenas o essencial com a segurança e habilidade que lhe é atribuída.

Mas a verdade é que a maior parte de MORTE DE UM PISTOLEIRO foi dirigido por Robert Totten, que pelas constantes “diferenças artísticas” com  Widmark acabou afastado após vinte e cinco dias de filmagens. Siegel chegou depois e finalizou o filme em apenas nove dias. Como não era totalmente o diretor, não quis levar o crédito, ao mesmo tempo, Widmark não queria o nome de Totten na direção, consequentemente utilizaram o nome Allen Smithee para compor o letreiro de créditos.

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MORTE DE UM PISTOLEIRO, além de um baita faroeste, entra na lista de filmes curiosos por ter aberto o precedente, para o cinema, da utilização do nome “Alan Smithee” (ou Alain Smithee, ou Allan Smithee, ou Allen, enfim, variações…) toda vez que um diretor renega seu filme. A filmografia de Smithee é até bem extensa se forem conferir no imdb e vários diretores de peso já o utilizaram, como Richard C. Sarafian, Dennis Hopper, John Frankenheimer, Stuart Rosenberg e Kevin Yagher…